REVOLUTIONARY ROAD, SAM MENDES

Sam Mendes es un director que trata de cambiar el tono de sus pelis cada vez que hace una. Pero siempre se nota su mano, intencionadamente. Tiene una especie de "elegancia" sostenida en todos sus planos, en todos sus movimientos de cámara. Se le reconoce.

REVOLUTIONARY ROAD no es menos. Es larga por razones de tono. La audiencia tiene que entrar en la rutina de la vida de éstas personas. Y es necesario crear una desazón para implicarse.

Un matrimonio, que podría ser cualquiera y de cualquier época, vive su vida de una determinada manera porque se supone que debe ser así. Porque lo "normal" es casarse, tener hijos, una casa en un barrio residencial, buena relación con tus vecinos y un buen trabajo (para el hombre claro). vivir económicamente acomodados casados y con hijos, es la felicidad. Así se lo han vendido, y así es como lo hacen, pero eso no significa que se lo crean.

Estructurada a saltos en el tiempo, para crearte ese contraste de actitud de los dos personajes, con la actualidad. Muy inteligentemente, porque así no ves todo como algo que, simplemente, va cada vez a peor, porque a nivel de guión eso es muy arriesgado.

 La pérdida de los sueños de éstos personajes es el eje de la historia. No es sencillamente un matrimonio al que "le van mal las cosas", porque durante el primer acto comparten ilusiones juntos. Podrían, posiblemente, vivir felices, pero su estilo de vida se lo impide. Y digo posiblemente porque no se puede saber si han estado enamorados en algún momento. Y si lo estuvieron, ahora no lo están. Porque REVOLUTIONARY ROAD también habla de la no aceptación por parte de ciertos matrimonios de que el amor, en ocasiones, se acaba; y cundo se acaba no hay vuelta atrás. Y no tiene sentido mantener una relación si no se está enamorado. No existen razones para eso. Pero se vende que la responsabilidad de una vida familiar es más importante. El parecer feliz, porque teniendo unos hijos preciosos, una casa bonita, un buen trabajo, una situación acomodad. Dinero para hacer cosas. Que las posibilidades económicas y la no preocupación por los problemas económicos, acompañados de un matrimonio, es la felicidad. Que eso te hace feliz. Y eso es mentira. A las personas con inquietudes les hacen felices sus sueños, no un estilo de vida que es un cliché vomitivo, una falacia, una pura estadística.

 Esto no solo ocurría antes, también ocurre ahora. Y ese es uno de los méritos de la peli. Habla de un situación atemporal a través de una época que no tiene que ver con la nuestra.

Cargada de momentos poderosos, sostenidos por unas interpretaciones magníficas. Geniales a todos los niveles. Leo y Kate (Jack Dawson y Rose Dewit-Bukater!!!) están enormes. Maravillosos. Sostienen unas discusiones y momentos de tensión ellos solos. Caso todos rodados de forma simple, para que lo importante sean ellos. Regalan al publico unas actuacciones para disfrutar de verdad.

No es la mejor peli del año. No. Pero si una de las más sinceras y valientes con respecto a un tema un poco tabú aún tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. La cobardía de la gente a hacer lo que quieren de verdad.

 

Muy buena. 

MILK, GUS VAN SANT

Las películas de derechos civiles se han convertido en un género. Un género moderno, reciclado para que la academia te tenga en cuenta. Y todas ellas deben seguir un esquema común. 

Las pelis de derechos civiles corren un riesgo muy grande, y es que puede que solo interesen a las personas de las cuales habla a nivel histórico: las mujeres, los negros, los indios o, como es el caso, los gays. Normalmente, para evitar esto, las pelis cargan el guión de muchas mas subtramas o temas. Uno de los más recurrentes y acertados es hablar de la época, a todos los niveles. En el caso de MILK, el tema de los derechos de los homosexuales es el centro absoluto de la película, cosa que no tiene prqué ser un error, pero convierte a la historia en una especie de panfleto. Hable de lo que hable a nivel político un film, esto es muy aburrido. Toda la peli es una especie de declaración de derechos y principios.

Sean Penn realiza un trabajo, como siempre, magnífico. Genial. Su interpretación de un político gay de los años 70 está cargada de verdad y ritmo. En ningún momento se va a lo fácil. A lo típico. Todo el tono de su actuación es contenido a nivel de gestos fáciles. Descubre una forma de interpretar a un personaje real. No a un personaje gay. Es simplemente un personaje que lo es. Su actuación hace más incapié en los objetivos de su personaje.

Gus Van Sant es un director, gay declarado, al que la historia le interesa mucho. Empeñado en que sepamos que el tiene amaneramientos a la hora de manejar el cine, carga todas sus pelis con detalles para que lo sepamos. Y entonces las historias se resienten, porque no dirige estando ajustándose a lo que cuenta un guión. MILK arranca con demasiados detalles sobre como se instalaron el y su grupo en San Francisco.  El planteamiento empieza muy tarde, y el ritmo es demasiado marcado por los hechos reales. La realidad no suele ser muy cinematográfica. Cuando esto ocurre hay que transformar la realidad, y llevarla a lugares más cinéticos. MILK tiene un ritmo muy poco cinético en ocasiones.

Josh Brolin es, junto a Sean Penn, lo mejor de la cinta. Con una interpretación absolutamente genial. Poderosa y creíble a todos los niveles.

Una de las cosas que hace peor a la peli es la interpretación irritante y horrible de Diego Luna. Estúpida y típica. Pero no es el problema. El problema es la indecisión de Van Sant a la hora de decantarse por un tono independiente de puramente de Hollywood.

 Sin embargo, la peli es entretenida. Sean Penn y Brolin la hacen interesante. Muy divertida a ratos. Con un buen montaje. Y un final muy bueno. El climax está magníficamente rodado, con una sencillez inesperada en un momento inesperado. Muy bueno. Salva el tercer acto de alguna manera. 

EL LUCHADOR, DARREN ARONOFSKI

Darren Aronofski es un director con una extraña costumbre. Según dice, cada vez que rueda una peli, no se afeita hasta que el rodaje termina. Se afeita el primer día y, hasta la "claqueta final", se deja crecer el bello facial.

Esa costumbre, es casi la única que ha mantenido durante sus pelis. Porque, desde PI, FE EN EL CAOS, Aronofski nos tiene acostumbrados a cambios constantes en el tono de su cine. Independientemente de que puedan o no ser películas independientes. Lo cual no marca, para él, ningún tipo de pauta.

 

EL LUCHADOR es una película simple, pero no simplista. Sostenida por conflictos puramente humano-cinematográficos. Los conflictos más recurrentes en la historia de las películas. Situaciones muchas veces vistas, resueltas con una sencillez maravillosa. Sin florituras, solo lo imprescindible. Es my difícil hoy día conseguir mantener una historia a flote con recursos de éste tipo, porque la gente está acostumbrada a ver mucho cine. Y se cansa rápido. Incluido yo. Pero EL LUCHADOR, consigue tenerte totalmente pegado a la pantalla. Sin poder despegar los ojos de un Micky Rourke engrandecido. En una interpretación merecedora de todas las admiraciones. Su actuación llega a tales niveles de perfección, que resulta imposible no creerse absolutamente todo lo que nos cuenta. Es una película cargada de verdad. Sin caer en sensiblerías fáciles, tratando con temas que se prestan a ello. Un guión perfectamente pensado. Medido y re escrito.

 Una historia de un hombre totalmente acabado. Llevado al límite de sus posibilidades morales. Sin más conocimiento que uno. Solo sabe hacer una cosa, luchar. Y disfruta de ello. Es su pasión. No concibe su mundo sin eso. Y cuando lo pierde, se destapa quién es realmente. Y descubre que, no puede vivir en el mundo real. No puede luchar contra sus propios problemas. Contra los conflictos que se le producen fuera del ring, porque no sabe.

Las relaciones que entabla, que son básicamente dos. Sujetas a conflictos personales simples. Esas relaciones no se muestran con frases fáciles ni cursiladas. Se muestran como realmente serían para alguien como es el protagonista. Por mucho que la gente pueda o no ssntirse identificada, la película acierta en no mostrar las situaciones de manera totalmente identificable a cualquiera. No pretende que nos sintamos identificados como principal objetivo. Su objetivo es que veamos la historia de éste hombre desde fuera, hablando de cosas que todos conocemos.

 A pesar de ser una especia de versión cruel de ROCKY BALBOA (Que considero magnífica), EL  LUCHADOR anda por caminos muy diferentes. Por lugares distintos.

Marisa Tomey, que ha hecho posiblemente dos de las mejores pelis de el año pasado, EL LUCHADOR y esa maravilla que es ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO, está viviendo un resurgir dentro del cine independiente americano. Es muy probable que se lo merezca más de lo que much gente piensa, porque está demostrando ser una de las mejores actrices de su generación.

 Rourke, que fue recuperado hace años para esa película tan divertida llamada DOUBLE TEAM, es probablemente el más firme candidato al Oscar éste año. Lleva haciendo grandes papeles desde hace tiempo, él era lo único bueno en DOMINO, e hizo un papel extremadamente bizarro en ONCE UPON A TIME IN MEXICO.

En los Globos de Oro, éste señor dedicó su premio, entre otros, a sus perros (unos chihuahuas) a los que adora, y de los que dijo que son los mejores amigos, y más fieles, que cualquier persona puede tener.

Puede que tenga razón.   

ROCKNROLLA, GUY RITCHEY

Guy Ritchey se estrenó con LOCK & STOCK consiguiendo un éxtito inaudito. Con un film barato. 

LOCK & STOCK no era exactamente un film de cine negro. Tampoco una comedia ni una peli de gansters. Obviamente es un film post-Tarantino, con claras influencias estilísticas tanto a nivel formal como de intención.

Pero, si estudiamos LOCK & STOCK y SNATCH, descubrimos algo. Las dos pelis juegan en el mismo campo. Son exactamente del mismo padre. Son las dos partes de una serie de dos pelis.

Guy Ritchey inventó un genero con esos dos films. Realmente lo invento. Y no lo digo yo, si uno lee al teórico de guión más importante del mundo, Robert McKee, descubrirá que denomina a esas dos pelis dentro de un género llamado "black farse". Género del cual, aún, solo existen dos películas.

El "black farse" es un cine que no ocurre en el mundo real. Ocurre en un mundo ficticio. En una perversión del cine de mafiosos de los 90. Ritchey pervierte a Tarantino, a los Coen e incluso a Steven Soderberg. Tanto LOCK & STOCK como SNATCH, pertenecen a un mundo creado sobre bases totalmente cinéticas. Creadas a partir de principios del cine de los noventa. A todos los niveles. Busca crear momentos, busca que la película se parezca más a un concierto o una canción que al cine en sí.

Tanto los personajes como las situaciones de esas dos películas están concebidas para ser absoluta y totalmente cinéticas. El mundo de los mafiosos de LOCK & STOCK y SNATCH es totalmente falso. Es una farsa, una construcción a base de clichés pervertidos a extremos que en ocasiones llegaban a absurdos, dentro de una lógica interna perfecta. Todo filtrado a través de una malla de humor y costumbres muy muy muy inglesas. Muy británicas. En todos los sentidos, esas dos pelis son muy inglesas. Y juegan a serlo. A conectar al espectador con un mundo que no es real, que es una interpolación de costumbres al celuloide. Pero ese cine, esas dos pelis, funcionaban porque todos habíamos visto ya cine de mafiosos serio. O cine de mafiosos con toques de comedia negra. De algún modo los dos films necesitan apoyarse en otro tipo de cine para funcionar.

ROCKNROLLA es totalmente distinta. A pesar de tener muchas características comunes con aquellas, ROCKNROLLA es una peli mucho más arquetípica. Mucho más de género. Obedece a las reglas que obedecen muchas pelis de cine negro. Dentro del género de mafiosos es una peli clara y genérica. Es puro cine de género. ROCKNROLLA habla de un Londres real. Del Londres más actual, a niveles de bajos fondos y mafias inmobiliarias. Toda la base es real. Independientemente de las salidas de tono requeridas por cualquier peli de mafiosos que no quiere ser un coñazo.

Ritchey demuestra que es capaz de construir un guión basándose en perspectivas de un cine negro normal. A pesar de que mantiene varios rasgos estilísticos y narrativos similares, como es la voz en off casi continua, los congelados de imagen, la presentación de personajes con la ya nombrada vos en off, las polos de cuellos extraños, la ropa oscura, el acento cockney, los diálogos, o los giros de guión, situados estructuralmente en el mismo lugar que SNATCH. Todo eso no convierte a ROCKNROLLA en una peli similar a las dos nombradas anteriormente. ROCKNROLLA juega en un campo totalmente distinto.

A pesar de ser una película con ritmo, buenos personajes y buen diálogo. ROCKNROLLA se hace un poco larga. Porque pretende funcionar en algunos momentos como las dos primeras cintas de Ritchey, y ese diálogo puede resultar cargante en un film como éste, porque es más difícil de creer. Aun así, uno disfruta de grandes momentos. 

El tercer acto, en el cual se resuelven un montón de hilos narrativos, quizás demasiados para una película, algunas de las conclusiones parecen llegar por casualidad, lo cual es muy arriesgado; aunque la mayoría de dichas casualidades están preparadas, lo cual rompe el error del DEUS EX MACHINA. Pero puede resultar demasiada casualidad en algunos casos, lo cual hace que pierda fuerza.

Aún así es un film muy disfrutable, con grandes momentos y muy buenas interpretaciones, de todos su elenco, exceptuando a  una Thandie Newton algo perdida en un papel excesivamente tópico, tanto escrito como interpretado. Ritchey tiene intención de hacer dos partes más. E final del fiml no es cerrado del todo, lo cual permite seguir hablando de unos personajes de los cuales puedes contar casi cualquier historia de mafiosos. Veremos que ocurre.

En breve podremos disfrutar de REVOLVER, una peli de 2005 de Ritchey que no se llegó a estrenar en España. Parece ser que es una extraña cinta de mafiosos y juego, que no tiene nada que ver con el resto de pelis del inglés. Con un toque surrealista y bizarro. Habrá que opinar. 

EUROPA, LARS VON TRIER

Lars von Trier es un tipo que piensa que el cine es conceptual. Ve la cración cinematográfica como Warhol veía el arte pictórico. Von Trier cree que el cine puede entenderse como una de esas (estúpidas) instalaciones de arte conceptual en la que un retrete se llena de cristales rotos y representa la "decepción de la vida moderna".

EUROPA es un puro ejercicio de automasturbación estética y de contenido. Es pornografía individual. Von Trier muestra lo que le pone cachondo de su propio mundo interior. Y pretende que entendamos su punto de vista. Pretende que el público es el que TIENE que respetar su manera de ver las cosas y tratar de darle un sentido a algo que, para nada, lo tiene.

El cine está definido desde los años treinta o antes. Y nadie va a cambiar lo que es. Nadie va a cambiarlo porque tal y como está es perfecto. Es misión de los cineastas crear cosas interesantes y buenas para el público. Para el PÚBLICO, no pare ellos mismos. Y esto no significa que el cine de "autor" no pueda existir. El cine es cine. Sea de lo que sea. El cine de "autor" bueno, respeta tanto a su público como cualquier otro tipo de cine.

Lars von Trier es un tipo que pretende cambiar el concepto de cine, hacer unas videocreaciones absurdas y llamarlo cine. Lars Von Trier no hace cine, hace otra cosa, y si lo llama cine, está despreciando a su público y al cine en sí. Von Trier rechaza al cine. Rechaza sus principios. Von Trier solo cree en el mismo. Y si uno le cualquiera de sus entrevistas se da cuenta de el poco respeto que le merece el público. Lo peor que puede hacer un cineasta es no respetar al público.

EUROPA es una pretenciosidad llevada a extremos. Como lo fué aquella cagada llamada DOGVILLE. EUROPA pretende ser un análisis de gente. No se preocupa de contar una historia. De mostrar una historia. Con historia me refiero a trama. Con su planteamiento, desarrollo y conclusión. Una historia que debe estar creada para atrapar al espectador. No para despreciarle. Ni siquiera para hacerle pensar sobre nada. A mi no e interesa nada (ni a nadie) lo que piense un danés que se cree listo.

Es más, la profundidad moral o de contenido de una obra cinematográfica, es absolutamente secundaria de la precisión formal que debe tener. Antes de que una película tenga o no profundidad de contenidos, antes de eso, una peli tiene que ser correcta a nivel de guión y de estructura. DEBE serlo. Todas y cada una de las pelis de Von Trier se saltan a la torera todos los principios del guión. Todos esos que defendían a capa y espada Billy Wilder, Howard Hawks, Sam Peckimpah o Alfred Hitchcock entre otros.

Lars Von Trier está convencido de que lo que el hace es arte. Y el arte como es arte pues no tiene límites. Porque si le pones límites al arte la mente del creador está encorsetada y bla bla bla, discurso cursi y blandengue. Discurso cobarde y pretencioso. Fácil y propagandístico de cierto tipo de progres y "modernitos" que creen que van a arreglar el mundo a base de grafitis e influencias pop en sus videocreaciones y camisetitas con fotos de Audrey Hepburn (Sin haber visto ninguna peli suya) 

Lars Von Trier va en contra del cine. Todas sus pelis son de una pretensión enorme. El tipo realmente se cree que habla de las cosas más profundas en sus films. Su objetivo de tener un "universo propio" como espacio para crear una serie de artefactos con los cuales pueda hablar de un mundo que desprecia. Aunque claro, lo desprecia al modo moderno. Porque Lars Von Trier pertenece a ese grupito de gente con dinero que se dedica a criticar el mundo consumista perteneciendo a él mas que nadie.

El hecho de que un cineasta cree un "mundo propio", un "estilo propio", no es algo especialmente bueno. Y menos si lo haces al estilo de Von Trier. Porque el hecho de que sea totalmente único no tiene mérito cinematográfico. Nosotros como público no tenemos que tenerle en cuenta eso. No le debemos nada. El que tiene una responsabilidad con el público es él.

El cine de Von Trier (al igual que el de su analogo español, el inefable y pedante Julio Medem) se crea a partir de premisas conceptuales y no físicas. La falta de fisicidad de sus películas las pone en relación con un ensayo literário más que con el cine en sí. Por tanto la construcción de guión cinematográfico es imposible. Porque el cine se sostiene sobre la fisicidad de los actos que se producen en él. Los actos físicos, no intelectuales, mueven el cine. Al llenar de ideas intelectuales sus historias, las pelis pierden fuera cinética, y solo pueden exponer una serie de ideas morales o artísticas sobre, siempre, los mismos temas. La condición humana, el comportamiento sexual, la violencia como escape, el arte, los estigmas históricos de una nación (EUROPA habla de ésto), etc,.... Además, las ideas intelectuales que  plantea son de lo más tópico. Son las típicas ideas "no tópicas". Nada originales. 

No se puede pretender ir "a contracorriente" a cualquier precio. Porque la originalidad en el cine no depende de los límites impuestos estructurales. Romper con unos principios de guión que funcionan desde los principios de la historia del cine, no es ser original, es ser imbécil. Uno, además, no puede romper con algo que no entiende. Porque Lars Von Trier no entiende de cine. Para hacer cine hace falta mucho más que tener ideas. Para hacer cine hace falta leer y ver cine. Y amar el cine. No amar tus propias ideas. Porque el cine se hace para que la gente vaya a verlo, no para hacerse pajas en su casa.

A propósito de EUROPA. No tiene una estructura clara. No se sabe exactamente de que va. Son una serie de momentos relacionados con el viaje personal de la gente. De las reacciones ante la II Guerra Mundial. Pero eso no es cine. Eso es rebote factual. Eso es hacer trampa para dártelas de listo.

Por mucho que tenga una estética ensoñadora o esos planos con retroproyección o ese famoso plano de la sangre por debajo de la puerta. Esos momentos "estéticos", que no visulaes, no crean una peli. Crean una imagen atractiva y facilona. Crean una trampa al espectador, una trampa de mal gusto. Un mal gesto, un insulto.

Puede que sus pelis gusten a un determinado tipo de gente que lo defenderá siempre. Me parece perfecto. Pero no creo que sea correcto llamar cine a lo que hace. Porque no lo es. Es otra cosa. Puede que la gente vea cosas que no hay, porque quieren verlas. Y me parece perfecto, pero es un engaño. Para cualquier persona con un mínimo de conocimientos cinematográficos lo que hace Von Trier es un camelo. Un error. Lo que hace no solo es malo, está mal. Es feo.

Poca gente ve su cine, es un director minoritário. Porque claro, es que es un autor. La gente prefiere ir a ver mierdas como TRANSFORMERS o TITANIC. Pues bueno, mucho más respeto merecen estas dos pelis que llevaron al cine a millones de personas. Y no hay nada más puro en el cine que que la gente vaya a ver tu peli. Y que salgan contentos. Y el que critique un taquillazo por el hecho de ser un taquillazo, y defienda una peli que nadie a visto. Y además califique al público de imbécil por ver una y no ver la otra. Esa gente entre la que se encuentra Von Trier, Medem o Michael Haneke (que curioso, todos europos) no merecen ningún respeto como cineastas. Porque no respetar la decisión del público es vomitivo. Es pedante y discursivo. Regresivo.

Y no defiendo el cine espectáculo americano como única opción. Hay pelis malísimas dentro de ese género. Y otras muy buenas. Pero lo que es es lo que es.

Y no hablo mal de la originalidad. Porque uno puede respetar al público y ser muy original. Hay muchas obras que se han creado desde el respeto a los principios básicos del guión. Y mucho estúpido se cree que son pelis que "rompen con as reglas". Pues no, son pelis de lo más correcto a nivel de guión. Ejemplos: PI, EL CLUB DE LA LUCHA, 12 MONOS, HURLY-BURLY, MEMENTO, PULP FICTION, EL REY PESCADOR, SNATCH, COMO SER JOHN MALCOVICH, ADAPTATION, LOS AMIGOS DE PETER, cualquiera de las pelis de los MONTHY PHYTON,...

Uno puede jugar con los elementos de la cinética y crear grandes pelis. Pero lo que no puede es hacer lo que le dé la gana, porque hay que plantearse, además, si el cine es un verdadero arte. Porque pasa por demasiadas manos para serlo. 

ALIEN 3

ALIEN 3 se empezó a rodar sin guión terminado. Y casi se rodaba sobre la marcha, cada día llegaba por fax (por entonces ésto del mail como que no) las páginas de guión para rodar. David Fincher, que tenía por aquel entonces 28 añitos, casi se vuelve loco.

Aun así, ALIEN 3 tiene grandes virtudes que se comentan poco. Aunque David Fincher ni siquiera quisiese participar en el making of que se hizo para el  film cuando salió el pack de las cuatro pelis en DVD, ALIEN3 sigue siendo cojonuda.

Hay algo que relaciona directamente éste film y la cinta dirigida por Ridley Scott, ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO. Y es el género. James Cameron realizó con ALIENS, una cinta de acción al más puro estilo suyo. Grande y con magníficas secuencias de tiroteos. Pero no era una peli de terror como lo fue su predecesora. Entre otras cosas porque el número de Aliens de la cinta de Cameron era enorme. Había bichos por todos sitios. Y los marines que combatían contra ellos podían combatirlos. El hecho de que los protagonistas puedan combatir, casi de igual a igual, a los antagonistas transforma a la peli en una cinta de acción. Cameron, totalmente consciente de ello, realiza la peli desde el punto de vista de la acción.

ALIEN 3 vuelve a ser cine de terror. Vuelve  a haber solo un Alien, muy distinto al de las otras dos pelis. Al gestarse en ésta parte en el interior de un perro, su aspecto es diferente. Es algo más pequeño y  se mueve como una pantera, a cuatro patas, tanto por el techo como por paredes y suelo. La amenaza es enorme, porque los tripulantes de la nave, no tienen manera de combatirlo. No tienen armas de ningún tipo. Se las tienen que ingeniar para acabar con la criatura.

El ambiente es el más insano de la saga. Brutal. Enfermizo. No solo por los tripulantes y el hecho de que sean presos. Todo en el tono es enfermizo. Cruel. Fincher crea uno de esos ambientes agobiantes que se le dan tan bien.  

Toda la peli, curiosamente, está rodada desde el suelo. Lo cual crea una imagen continuamente distorsionada. De puntos de fuga sucios y raros. Desequilibrados. El público ve la historia desde abajo. Esto creó algo realmente curioso a nivel de produccción, ya que obligó a departamento de diseño de decorados, a crear un montón de "techos" distintos. Y decorarlos. Cuando en un tipo de peli de éste tipo, por cuestiones físicas, el techo sirve para ser ocupado por focos, reflectores, etc... 

Los actores están geniales. Todos desidiosos. Brutalmente pesimistas. Casi Nitzchenianos. Ese toque pesimista nunca había estado presente en la saga, y le dio un toque genial y cargante. Y que encantó al público. Porque todas esas complicaciones de guión, no supusieron un problema a nivel comercial, finalmente.

 El principal problema del guión es que es escaso. No que sea malo. Es la falta de historia. En la peli ocurren muy pocas cosas. Las secuencias son muy largas,  al principio hay varias que sobran. Pero, a nivel de personajes, aportan bastante. Y están tan genialmente dirigidas. Tan cojonudamente orquestadas, que es difícil que te des cuenta. 

Entre éstas escena, hay una que aporta una idea que podía resolverse rápido. A nivel de historia, sirve para que la teniente Ripley se entere de que el cuerpo de una niña no ha muerto por culpa de un Alien.

Hablo evidentemente de la escena de la autopsia. Éste momento es de los mejores del cine de principios de los 90. Rodado sin mostrar en ningún instante el cuerpo de la niña, es un momento es de una crudeza bestial, por como está utilizado el sonido y los planos detalle.

Ésta tiene algo en común con TERMINATOR 2. Peli, irónicamente, de James Cameron. El final de las dos pelis es similar. En las dos, un personaje se suicida lanzándose al fuego (o lava, o acero fundido,... ) para destruir algo que llevan dentro, y puede suponer una amenaza. TERMINATOR 2 se estrenó en verano de 1991, y ALIEN 3 en Mayo de 1992. Casi un año de diferencia. Desconozco hasta que punto hubo problemas, pero tengo entendido que algunos si que hubo.

Alien 3 es una peli a revisar. A recriticar y darse cuenta que es mucho mejor peli de lo que mucha gente dice.

No he mencionado en ningún momento esa puta mierda llamada ALIEN RESURECCIÓN. Ni siquiera la considero como película. Ese si que es un mal film. Y sobrevalorado, de un director, si, exageradamente sobrevalorado. Jean Pierre Jeunet es una especie de peluquero que se dedica a hacer pelis, con poca idea de lo que significa un encuadre, y solo se dedica poner extrañas angulaciones para sorprender de manera fácil y tramposa.