jueves, 22 de octubre de 2009

[ Not ] JIGSAW FUE A POR TRABAJO, Y LE COMIERON LO DE ABAJO.



Todos ya sabemos a éstas alturas que, al menos este fin de semana, SAW VI tiene vetado el estreno en salas comerciales debido a la calificación X que le ha otorgado el ministerio de cultura (no pienso referirme a ese ministerio de éste país con mayúsculas).

Para que una peli sea calificada de esa manera en éste nuestro País deben ocurrir una de dos; o la película es explícitamente pornográfica (por ej: LAS VECINAS DE MI BARRIO ECHAN UNO A DIARIO) o hacer apología de la violencia. Que, por cierto, no es lo mismo que tener un nivel de violencia muy alto. Pues, según han entendido los encargados de la ministra Gonzalez-Sinde SAW VI se pasa tres pueblos en ésta última categoría.
Ésta decisión relega la película a las, ahora ya, entrañables salas X. Y digo entrañables porque deben ser lo que más acerca a los ya perdidos cines de barrio o sesiones dobles.

Según he podido leer, solo quedan unas 8 salas de éste tipo en España, y dudo que much... perdón, que alguna de ellas cuente con un proyector de 35mm. Lo cual dificulta incluso más su difusión. 
Parece ser que Buena Vista (que es, paradójicamente, propiedad de Disney) tenía previsto el estreno de la sexta parte de la saga más taquillera de la historia del cine de terror en unas 300 salas. Ahora esas copias descansan en algún almacén perdido... como si fuesen cuerpos recuperados de un accidente de un o.v.n.i  o las copias que sobraron del videojuego de E.T de la Atari, que llevó a  la quiebra a la empresa. Todo tiene tufillo a conspiración.

Buena Vista piensa recurrir a la decisión de la ICAA e intentar estrenar su película una semana después de lo previsto, si es posible. Así coincidiría con Halloween en lo que puede parecer "una maniobra de Marketing", como diría cualquier guay, para hacer todavía más dinero del que en un principio se podía esperar. Yo no se si es o no una táctica, y la verdad me da igual.


Hace un tiempo pasó algo similar. La infame y patética película (a nivel de calidad) FÓLLAME, que ,como no, es francesa, tuvo una calificación X por considerar la ICAA que sobrepasaba los límites permitidos dentro del erotismo e iba más allá de los límites del porno. La distrinbuidora, que creo recordar que era Alta Films recurrió, y consiguió la calificación de Nr -18. Buena Vista espera, por el bien de sus inversiones, que ocurra lo mismo. Si uno se pasea por el metro de Madrid (o muchas otras ciudades de España) verá cientos de carteles y material promocional de la última película protagonizada por el macabro y terrible Jigsaw. 
Y ese material no es gratis, aunque tampoco tan caro como mucha gente piensa.

Independientemente de la decisión que se tome, sea o no distinta a la actual, me pregunto que carajo habrán visto en SAW VI para calificarla X.

Dudo mucho que el nivel de violencia diste del que tenían sus predecesoras. Todas ellas películas en las que, de lo que se trata y por tanto su esencia, es poner torturas a cada cual más macabra y, para algunos, divertidas de ver. 

Yo siempre he sido de la opinión de que nadie se va a ir a la calle a matar gente por que lo haya visto en una peli, y si lo hace, no es responsabilidad de las películas el no enseñar determinadas cosas. Porque eso es auto censurarse. La ficción no tiene porqué tener límites dentro de lo que se cuenta. Uno puede contar lo que quiera, igual que puede escribir lo que quiera. 

Otra cosa distinta es la calidad del film. Personalmente he visto las dos primeras partes de Saw integras. La primera me pareció una película entretenidísma y muy conseguida. Me gustó mucho y lo pasé genial viéndola. Cuando vi la segunda parte me pareció un mojón de la cual lo único que se salvaba eran algunas de las escenas de las "macabras" (aunque divertidas) torturas. A partir de ahí no vi ninguna, y me limité  buscar y ver algunas de las escenas de tortura del resto. Ninguna de ellas me provocó ningún interés. 

De todas maneras, la mala calidad de una película nunca debe dificultar su estreno si ya está rodada. Es más, si fuese por calidad, pocas pelis españolas se estrenarían al año. Entre ellas no se hubiese estrenado ese insulto a la lengua cinematográfica que es MENTIRAS Y GORDAS que escribió nuestra ministra Angeles Gonzales-Sinde en un arrebato de inspiración.

Es curioso que fuera de nuestras fronteras la película no haya tenido problemas en su calificación. En ningún lugar se recomienda que se vaya en familia a verla, pero tampoco se lleva a una película de carácter altamente comercial como ésta, a salas en las que no tiene ningún sentido de ser. 

Porque SAW VI tiene un público muy marcado, para el cual está destinada la película, y gracias al cual se ha convertido e la saga de terror más taquillera de la historia.

Ya que ésta película y todas las anteriores se deben total y absolutamente a su público (porque, salvo la primera, ninguna se ha librado de la quema de la crítica), me parece una falta de respeto enorme a la gente e, incluso, al cine en sí, el evitar que SAW VI llegue a las pantallas comerciales donde esa audiencia adolescente espera como loca su estreno. Porque esa es la esencia del cine. Que la gente esté loca por ver las películas y llenar las salas.
Puede que los jóvenes adolescentes que quieran verla tengan el gusto en el culo, eso es cuestión de opiniones, pero eso da igual. El ministerio no es nadie para quitarle al público sus películas. Buenas o malas.

Dudo mucho que sea muy diferente, en lo que a nivel de violencia se refiere, a las cinco anteriores. Y si me equivoco, tampoco tiene sentido el vetarla. Porque eso es lo que ha querido hacer la peli, y posiblemente es lo que quieren ver su público. Y nadie de ese público saldrá a la calle a secuestrar a nadie para matarlo. Lo que hará la gente será irse a su casa, salir y putearla porque le ha parecido muy mala (el típico guay que sale diciendo "han perdido toda la esencia de la primera"), irse de fiesta o comentar con sus colegas lo bien que se lo han pasado. Poco más. SAW es una saga de consumo rápido. Tanto que la gente nunca recordará en cual salía tal tortura o cual tortura. No se si me explico.

El ICAA veta una peli porque considera que "hace apología de la violencia". Y eso es solo su opinión, en cambio permiten otra serie de cosas mucho más graves y que, en mi opinión, si deberían hacer que una peli fuese prohibida. Por ejemplo:

Cuando Pedro Almodovar filmó HABLE CON ELLA se ASESINARON varios toros en pos de las escenas. 

Cuando el infame e imbécil Lars Von Trier rodó MANDERLAY rodó una escena en la que se mataba a un burro. Porque le dio por ahí.

Cuando se rodó la incomprensible y estúpida GUMMO, las torturas que se ven a animales se hicieron de verdad.

En varias películas de Buñuel se torturan animales... 

Y así puedo estar horas nombrando pelis que, dicho sea de paso, en su mayoría son europeas o españolas. Porque los americanos, hoy en día, tienen grandes asociaciones que defienden a  los animales de cualquier tipo de tortura en los rodajes.

Lo que vengo a decir es que no tiene mucho sentido prohibir una película por una razón tan absurda. Sobretodo una de carácter tan poco serio y de consumo palomitero como las de SAW, que lo único que pretenden es llenar salas. No dejar ningún tipo de mensaje en nadie, ni bueno ni malo. 

Todo esto solo va a conseguir que la gente tenga más ganas de verla. Yo, que en principio pasaba bastante, ahora tengo un morbo insano por verla. Solo por la curiosidad de ver "esas" escenas de violencia que han provocado que la veten. 

Si, finalmente y como es de esperar, la película se estrena, la ICAA va a quedar en ridículo por su decisión de no permitir ésta y si permitir otras. Y se quedarán con el culo al aire sus (recitando los rumores) "opusinos miembros"




martes, 20 de octubre de 2009

[ Cr ] [REC]2, PACO PLAZA Y JAUME BALAGUERÓ.



Para que una película funcione, y más si es de terror o fantástica, hay que sentar unas bases desde muy al principio. Y no romperlas, porque el aficionado al cine de terror y fantástico es un público exigente en varios aspectos. Y no aguanta que les cambien las cosas porque sí.

Antes de nada he de decir que nunca fui un fan de la primera parte, por lo cual no tenía muchas expectativas con ésta, lo cual provocó que la viese con bastante frialdad y objetividad.

La película de Paco Plaza y Balagueró ocurre poco tiempo después de que acabas la primera parte. Cuando unos geos entran al edificio armados hasta los dientes. Bien, esa es la primera diferencia, el cambio de género. Si en la primera parte los protagonistas carecían de armas y no podían luchar contra los... no se, ¿infectados?, ¿poseídos?... zombis coño!!! Al no tener armas la lucha con los zombis era my desigualada, es decir, luchan contra una entidad contra la que apenas pueden defenderse. Eso convierte al género en terror. En esta segunda parte, los protas, al tener ametralladoras, pipas y demás arsenal, pueden disparar a los zombis y deshacerse de ellos en un momento. Lo que allí tardaban diez minutos, aquí tardan segundos.

Bueno, eso no tiene porqué ser un error, es un simple cambio de género. Pero para que funcione hay que hacerlo muy bien, o tiras la mitología por los suelos. La mitología y los principios estilísticos, que fueron las principales bazas de [REC]. Y en [REC]2 no han sabido hacerlo bien. Me explico:

Los directores se han encargado de decir a los cuatro vientos que su principal referente para ésta segunda parte ha sido ALIENS de James Cameron. Pasar a un género más de acción y jugar con algunos tópicos y lugares comunes del género de terror y fantástico. Y esa es la cosa, género fantástico.

Cuando la primera parte pretendía ser una especie de testimonio hiperrealista de una noche en un edificio en una situación extrema, la segunda se ha dedicado a resolver cuestiones que es mejor dejar en lo desconocido. Porque resolver esas dudas va en contra de los principios que, de algún modo, se plantearon. Cosa que ya ocurría en la primera parte al final. Cuando ves la peli, y ves su intención hiperrealista, no te crees que cuando llegan al ático se encuentren todos esos recortes en la pared y el magnetófono que te explica ciertas cosas. Eso ya es poco creíble. Además, ya se sugiere que los violentos personajes no están infectados por un simple virus. Ves que el rollito religioso tiene algo que ver.

[REC]2 desarrolla y soluciona todas esas dudas. Y las lleva por el campo del fantástico de posesiones demoniácas. Y te cambia todo el encuadre que tenías con la primera parte. A ver, no digo que el gesto esté mal. Digo que está mal el modo. Creo que los directores se han metido en lodazales de los que no han sabido salir.

La primera parte tenía una buena justificación para el uso de la cámara en mano. Al final la experiencia se convertía en una especie de capítulo de CALLEJEROS hiperbolizada.

Ésta segunda parte ha querido mantener ese principio de la cámara en primera persona que tanto les funcionó en [REC]. Y, para justificar la presencia de las cámaras, han pensado en algo que es menos creíble, y menos funcional. En éste caso los Geos llevan cámaras pegadas a sus cascos. Además van acompañados de un cámara que registra todo lo que ocurre. Y luego está uno de los puntos más ridículos y tontos de la película, que la incorporación de uno grupito de adolescentes que se cuelan en el edificio con una cámara casera (previo numerito estúpido con muñeca inchable). Y quiero matizar que no me parece estúpido por el hecho de que sean adolescentes, me parece ridículo por lo mal metido que está el hecho en sí. Y lo innecesario del mismo.

Es decir, si la primera parte era un capítulo de CALLEJEROS hiperbolizado, ésta segunda parte es una especie de suma entre un videojuego tipo Duke Nukem (con todos esos planos subjetios de los geos) y uno de esos videos de YouTube de puercos adolescentes que le hacen putadas a mendigos y vagabundos.

El hecho de las posesiones demoniácas está malmetido con calzador barato, y es poco creíble. Pero les sirve a los directores para jugar con el género, y meter cosas que querían meter. Como la clásica escena de "exorcismo" o sacar a mas niños poseídos. No se porqué, pero Balagueró saca niños endemoniados o peligrosos en todas sus pelis, y es una constante que se hace bastante pesada.

A pesar de tener secuencias y escenas bastante conseguidas. La primera aparición del niño endemoniado y su posterior asesinato, la pelea con Jennifer contada a través de una sombra,... la película se cae sola. Para empezar porque rompe con su principal baza, y es la intención de hiperrealidad, y después porque, ya como ficción pura, no funciona a muchos niveles. Además pretende tener más humor negro, cosa que no consigue. En los momentos que pretende que te rias no te ries, te resulta ridícula (el disparo fallido de la adolescente), y los momentos que pretenden ser macabros hacen que te rias, ese disparo al niño endemoniado.

No se hace larga porque no lo es, es la leche de corta. Ese hecho en su duración permite a los cines poner algún que otro pase más de la película, y así hacer más dinero.

La película ha sido un éxito, eso es indudable, y no voy a ser yo quien le discuta a los éxitos, porque por algo lo son. Si es cierto que se notó del segundo al tercer fin de semana y bajón en la entrada de público, pero bueno. Entraba gente, cosa que la mayoría de pelis españolas no puede decir. 

El final es abierto, para poder dar paso a posibles terceras partes. Además de la presencia de Manuela Velasco (divertidísimo oírla con voz de tio), en el edificio se quedan encerrados dos de los adolescentes. Quien sabe si [REC] será la primera trilogía de terror en España desde los tiempos del maravilloso Paul Naschy. 

[ Cr ] ÁGORA, ALEJANDRO AMENÁBAR.


La primera vez que vi ÁGORA tuve de ella una opinión peor de la que tengo ahora, y no por su calidad cinematográfica, que sigo considerando muy baja, si no por sus intenciones.

ÁGORA es un peplum, es "una de romanos", una película hecha con dinero y ciertas intenciones de mainstream. Pretende ser una película que llene las salas, hecha para el gran público y que quiere jugar con los placeres que proporciona el género. Y eso, en la ¿industria? de cine de nuestro país, que se empeña en ser minoritaria y quedarse en películas muy ¿profundas? que nadie quiere ver, es algo muy valiente y que hay que ver de manera positiva.

Teniendo éste hecho en cuenta, hay que analizar ÁGORA como si analizases cualquier película, porque como público no tengo porqué tener consideración con los autores, no tengo porqué saber quienes son ni las dificultades que han tenido. Así que veo ÁGORA como una más.

ÁGORA tiene muchos referentes, todos ellos del mejor peplum, y no lo disimula. Cosa que es positiva y buena. Pero su principal fallo viene precisamente por intentar emular a uno de los grandes, un referente continuo en la carrera del magnífico Amenábar

El director nunca a negado imitar a los que él considera los más grandes. En todas sus entrevistas los nombra y habla de ellos con mucha pasión. Según él, su sueño es ser capaz de mezclar los talentos de Hitchcock, Spielberg (su favorito) y Kubrick. Y precisamente del autor deEL RESPLANDOR es de donde ha cogido la referencia que echa abajo su última película.

Si uno recuerda bien la gran mayoría de películas de Kubrick (por no decir casi todas) están basadas en libros que él mismo adaptaba, y al hacerlo escribía los guiones en los clásicos y siempre eficientes tres actos. Pero esos tres actos, la gran mayoría de veces, los enmarcaba en dos grandes bloques bien diferenciados. Cosa que es muy difícil de hacer, además de arriesgado. Ya que puede pasarte lo que le ha ocurrido a Amenábar.

ÁGORA está dividida en dos bloques, separados por la quema y destrozo de la biblioteca de Alejandría. Y también está escrita en tres actos, en un intento del autor de MAR ADENTRO y Mateo Gil (su colaborador habitual en el guión) de imitar las películas de Kubrick. Pero el tiro les sale por la culata por diferentes razones.

En primer lugar la película no consigue mantener un esqueleto fuerte y único durante toda la historia. Y eso hace que ese punto de inflexión que es el destrozo de la biblioteca de Alejandría, te haga percibir que empieza otra película. Que casi no tiene nada que ver con lo que has visto hasta el momento. A esto volveremos más tarde. 

En segundo lugar la película trata de abarcar demasiados acontecimientos que le ocurren a varios personajes. Y la trama se descompensa porque nunca se encuentra a sí misma. Me explico, ÁGORA no parece tener una trama más importante que otra, ya que todas las que se cuentan, se cuentan con el mismo peso y, como espectador, te resulta difícil encontrar la historia principal que te están contando.

Es obvio que Amenabar y Gil se han informado y han investigado muchísimo sobre Alejandría y el personaje de Hipátia. Y se nota que sienten pasión por todo lo que rodea a éste personaje, la época y el entorno en que se desarrolló la vida de ésta mujer. Toda esa pasión es la que ha hecho, creo, que los dos guionistas quieran hacer ver al público, y dejarles claro, como era el momento a nivel histórico. Para ello se sirven de varios personajes, algunos de ellos inventados como es el caso de Davo, y los utilizan para canalizar la información al público. Lo cual es correcto, pero se pasan en la cantidad de cosas que quieren contar, y se equivocan en dar la misma importancia casi a todas las tramas.

El resultado es caótico porque, al tener todas las tramas el mismo peso, todas pierden fuerza, ninguna emerge, y parece que es un film construido por subtramas. Casi como una miniserie.  

Volviendo al tema de los dos bloques mal separados, que hacen parecer a ÁGORA dos películas diferentes, expongo mi teoría del porqué.

Mucho se ha hablado del tema de que en el film se critica el fanatismo religioso (sea cual sea su origen), cosa que es totalmente cierta.Amenabar mete caña a todas las religiones existentes en el momento. Pero claro, la calidad de una película nunca va a depender de su punto de vista con respecto a un tema. No porque la película critique el fanatismo religioso (algo con lo que estarán de acuerdo muchas personas) la película es más buena. Eso es una chorrada.

Lo que ocurre con respecto a los dos bloques es que la película, es que en su primer bloque, está sostenida principalmente por este enfrentamiento religioso dentro de la ciudad de Alejandría. Y en un principio se plantea la posibilidad de que éste hecho acabe explotando, cosa que al final ocurre, y en ese evento es cuando se produce la destrucción de la biblioteca. Durante todo éste primer bloque, el personaje de Hipatia está peor dibujado (ya que en el segundo bloque emergerá con mucha más importancia). Lo más importante durante ésta primera parte es el tema de las religiones y los cambios que se producirán tras el enfrentamiento, que tendrán sus consecuencias en el segundo bloque.

El segundo bloque de la película parece ser un film completamente distinto, porque lo único que nos queda del primero es el entorno al que ha dado lugar. Ahora, un McGuffin que se sugirió en el primer bloque, es el principal motor de éste segundo, acompañado de lo que ha supuesto el primer bloque para el personaje de Davo, el esclavo de Hipatia. Puede sonar de lo más lioso, y si has llegado aquí leyendo y no te has aburrido, te sugiero que le eches otro vistazo rápido para entender bien mi punto de vista. Gracias amable lector. 

El McGuffin del que hablo es el deseo de Hipatia (recordemos que una importante astrónoma) de descubrir porqué en ocasiones el Sol está mas lejos y en ocasiones más cerca de la tierra. Finalmente acaba descubriendo que la razón es que la órbita que hace la tierra al rededor del sol no es circular si no elíptica. Esa escena en la cual Hipatia descubre éste hecho, es posiblemente la mejor y mejor rodada de toda la película. Con un magnífico pulso y una puesta en escena de lo más visual y cinematográfica.

De todos modos y a pesar de todas sus características buenas, ÁGORA se hace excesivamente larga y pesada. A pesar de contar con un personaje que se suponía el eje de la acción, como es Hipatia,  nunca encuentra a un protagonista con suficiente peso. No parece tener una trama principal fuerte, no hay columna vertebral a través de la cual contar el resto de historias. Es poco física a nivel de trama y toca demasiados elementos, pretendiendo hablar de excesivos temas por separado, sin darles un punto común fuerte. 

Aprovechando el momento, aconsejo a todos leer uno de los numerosos libros que han salido sobre Hipatia. El libro es cuestión es HIPATIA DE ALEJANDRÍA, de un joven y novel autor llamado Guillermo Diaz. Es un libro rápido de leer y muy ameno, maravillosamente entretenido y cargado de información interesante y curiosa. En ningún momento aburre y, creo, es una manera inteligente de acercarse al personaje sin tener que leer uno de esos ladrillos de 400 páginas que al final casi nadie termina. El libro de Guillermo Diaz es aconsejable para cualquier tipo de lector, y aquí os dejo el enlace:

http://www.agapea.com/libros/Hipatia-de-Alejandria-isbn-8492510161-i.htm


lunes, 24 de agosto de 2009

[ Cr ] PELHAM 123, TONY SCOTT.



PELHAM 123 era una de las películas de las que tarde o temprano ivan a hacer un remake. Como admirador aférrimo de la original temía por a quién le ofrecerían el proyecto y quién acabaría protagonizándola.
Una de las cosas que se ha puesto de moda es llamar a los remakes "revisiones" o "readaptaciones" en el caso de que la peli en cuestión esté basada en un libro. Como es el caso. Según los productores de la nueva PELHAM 123 la peli sería una nueva adaptación del libro de John Godey. Así suena mejor.
ASALTO AL TREN PELHAM 123 versión 2009 me ha dejado bastante frío. Aun viniendo de un guionista tan bueno y magnífico como Brian Helgeland la historia nunca llega a tener grandes picos narrativos ni ningún tipo de giro, cosa que se agradece mucho en éste tipo de producciones.
No es para nada una mala película, pero si es bastante decepcionante en algunos puntos. Incluso hay momentos que resulta ridícula, en especial dos que luego comentaré.
Tony Scott no defrauda en su puesta en escena, con la que sabe mover a los personajes de manera perfecta en un espacio reducido, sin que el espectador tenga la necesidad de ver más o aburrirse. Técnicamente perfecta a efectos de movimientos de personajes en el espacio, PELHAM 123 peca en otro tipo de cosas que conciernen más a su guión que a su dirección o, incluso, su plantel de actores.
La película plantea una situación interesante y tópica, un sencillo secuestro de un vagón. Entonces los secuestradores piden un rescate. Es una de esas pelis que, en teoría, te deben sorprender por el "como" más que por el "qué", aunque la teoría suene manida. Tony Scott es un genio de la puesta en escena, pero hay momentos en los que parece que no tiene gran interés por lo narrado y no lleva al límite sus posibilidades. Y parece que es consciente de ello.
A pesar de tener un personaje potente como el de Travolta, la película cae constantemente en numerosos agujeros puestos ahí de manera intencionada para llevar la película en una dirección que sirva para alargar la historia. Es decir, la trama está llena de situaciones que deceleran los acontecimientos que se suponen inmediatos. A base de accidentes o subtramas la película zigzaguea en lugar de ir en linea recta.
Cierto es que ésto es propio casi de cualquier peli de acción o thriller, pero es éste caso algunas escenas resultan demasiado forzadas, o bien no correctamente disimuladas, teniendo el espectador plena consciencia del papel de algunos momentos.
Aun así la película se disfruta en pequeños momentos que están ahi para el lucimiento de sus estrellas. Como por ejemplo cualquiera de los asesinatos que comete Ryder, el personaje de Travolta. Cada vez que mata a alguien llena la pantalla y el espectador disfruta de sus caras, de sus maneras y de su incuestionable carisma. También Gandolfini y Turturro nos regalan momentos de gran interpretación, comedidos en unos papeles en los que, uno imaginaba, bastante más histriónicos, como es común en sus carreras.
Washington está extraño. A pesar de hacerlo muy bien, su personaje parece menos interesante, menos cargado. Y solo un secreto en su pasado es lo que dota al personaje de cierto interés. Denzel parece hacer lo que puede, pero no tener mucha chicha que morder.
A pesar de ser bastante distraida por momentos, PELHAM 123 te deja frío. Como si no te interesase nada de lo que pueda ocurrirle a los personajes. Aun buscando un cierto tono de identificacióon con ellos, el espectador no lo encuentra y solo busca disfrutar de la trama de manera desinteresada.
Uno de los grandes fallos de la película ocurre casi al final. Cuando Ryder escapa por los túneles y Garber (el personaje de Denzel Washington) hace lo mismo. Los dos huyen por los túneles en direcciones opuestas. Ryder sale a la calle por la puerta de un hotel. Mientras Garber intenta buscar una salida de los túneles, cuando la encuentra da la ABSURDA CASUALIDAD de que justo en ese momento Ryder está entrando en un taxi justo delante de sus ojos. Algo que de absurdo es ridículo.
También podemos hablar de un momento de una estupidez enorme, que es cuando Garber habla con su mujer para informarle de que va a entregar el mismo el dinero del rescate. Y ella, preocupada, ¡le pide que le lleve leche!! y el encima hace referencia a una actividad deportiva de sus hijo... en plan familia americana feliz!!!! un horror!!!
Pero bueno, a pesar de no dejar especial buen sabor de boca, PELHAM 123 no deja de ser distraida y divertida por momentos, y una agradable peli que alquilar con algunos coleguillas.

sábado, 22 de agosto de 2009

[ Cr ] EXORCISMO EN CONNECTICUT, PETER CORNWELL



EXORCISMO EN CONNECTICUT es una película distraída y con momentos cinematográficamente conseguidos. Pero ya está. No pasa de eso. Es más, llega ser aburrida en algunos tramos, y lo que es peor, a veces se olisquea cierto punto pretencioso. 

 La película es un cúmulo de los tópicos más típicos del cine de espíritus y casas encantadas, pero muy "a la americana". Con una de esas familias que pretenden ser perfectas con el típico y manido problema del padre que bebe. Los personajes, al estar basados en la realidad, están mal escritos y pésimamente dibujados. Es lo que suele ocurrir cuando algo se basa en la realidad y no se trabaja lo suficiente. Porque los personajes que son del todo ficcionales son del guionista, los reales pertenecen al mundo real, y el escritor piensa que el trabajo ya está hecho, y no es así.

 Las películas de exorcismos suelen tener esquemas muy parecidos. Lo cual no tiene porqué ser un error. Se puede entender como una variante de género en sí. y puede tener sus seguidores. La "chicha" de éstas pelis puede encontrarse en el planteamiento más que en el como. Aunque hay ejemplos en los cuales la forma es el fuerte del film. Tal es el caso de la interesante EL EXORCISMO DE EMILY ROSE. Pero normalmente el planteamiento es el punto en el que una peli de exorcismos puede ser interesante. 

 Partiendo de ésta idea EXORCISMO EN CONNECTICUT es un film realmente desaprovechado. Porque su planteamiento a nivel de papel, a nivel de sinopsis, o incluso de idea, es realmente interesante. No es exactamente una película de exorcismos, ya que todo está rodeado de una casa encantada. Por tanto es un cruce de éstos dos subgéneros. Cosa que podría ser interesante.

Pero lo más interesante de ésta película es el hecho de que el personaje poseído está enfermo terminal. Realmente lo está. Lo que en otras películas sobre exorcismos era una parte obligada (el investigar si el extraño comportamiento del personaje era debido a una enfermedad), en ésta se sabe desde el principio. De ésta manera el espectador no está en la posición de "¿cuando se van a dar cuenta el resto de personajes de que está realmente poseído". El público está en la posición de que "¿Realmente está poseido, o es todo producto de su enfermedad?", lo cual es un planteamiento realmente interesante. Pero en EXORCISMO EN CONNECTICUT está totalmente desaprovechado, y todo parece no tener importancia. 

 Todo es a base de tópicos aburridos y tontos. De personajes imbéciles. Sobretodo en la familia protagonista. De la que es especialmente irritante la gilipollas de la madre, interpretada por una cada vez más fea, gorda y vieja Virginia Madsen. Toda la familia cae mal desde el principio. Son ese tipo de personajes que deseas que les pasen cosas malas. Quieres que sufran, y disfrutar con ello. Con personajes de ese tipo, uno desea otro tipo de peli de miedo. Que no busque una identificación con los personajes, que lo que ofrezca sea el disfrute del horror, y que sea más divertida. Y no tan pretenciosa. 

 Porque EXORCISMO EN CONNECTICUT se cree importante, o al menos pretende serlo. Y ese es uno de los mayores errores de una peli. A no ser que seas capaz de transgredir realmente el género de manera limpia y sin trampas, cosa que es muy difícil, no pretendas ser más a esos niveles morales.

 

Una peli bastante aburrida aunque entretenida a ratos. Pretenciosa y con personajes odiosos. 

viernes, 21 de agosto de 2009

[ Not ] Primicia de 15 minutos de AVATAR. Agosto de 2009. Esto huele a que el cine no va a volver a ser lo mismo.



Recuerdo cuando vi el trailer de JURASSIC PARK con 8 años. Y como la vi el día que cumplía los 9. Como me creí a pies juntillas que esa isla llena de dinosaurios existía. Como me creí que un par de velociraptores podían perseguir a dos chavalillos por una cocina. Como pensé, mientras la veía, que todo era verdad.

Bueno, soy una de esas personas que ha tenido la suerte de ver en primicia los 15 minutos de AVATAR que James Cameron ha presentado en varios cines del mundo. No en muchos. Y estoy completamente aturdido y conmocionado por lo que ha entrado por estos mis dos ojitos.

James Cameron abre el video. Más viejo y más feo, eso si, que la última vez que dirigió. Y nos cuenta que vamos a ver 15 minutos de AVATAR en primicia. Algunos clips sueltos sin ningún tipo de Spoiler, con los cuales nos haremos una ligera idea de lo que podremos ver en Diciembre.

Los primeros clips son de imagen real casi en su totalidad. Clips con los actores de carne y hueso. Con Sigourney Weaver, con Sam Wortington y con Stephen Lang entre otros... y uno ya se da cuenta de que está ante algo sin completamente nuevo y sin comparación. Que Cameron no nos va a tomar el pelo.

Tras una metamorfosis que no quiero desvelar, se nos descubre Pandora. El planeta en el cual se va a desarrollar la historia. Un planeta totalmente creado infográficamente. Absolutamente fabricado desde cero. Pero lo sabes porque lo has leído, y porque saber que ese sitio no existe. Porque en ningún momento puedes ver la mano detrás de la Obra. Es real hasta límites increíbles. Hasta el punto más alto de realidad posible. Las pieles, las texturas, la tierra, las ramas,... todo. La proyección de la luz en los paisajes. Y todo en un mundo imposible. Un mundo que "sabes" que no es real porque no se parece nada a la tierra excepto por lo más básico. Vegetación, fauna, líquidos y tierra, además de seres vivos de todo tipo... de TODO TIPO. Máquinas, vehículos,... todo creado desde cero. El mundo más impresionante y, sobretodo, completo, que he podido ver. Y solo he visto 15 minutos.

Cierto es que en solo 15 minutos es muy difícil y arriesgado (además de algo estúpido) sacar una opinión fuerte. Pero es indudable que podemos opinar sobre lo que SÍ hemos podido ver. Todo datos a nivel técnico de y factura. Y es más que brillante. Es imposible no darse cuenta que estás ante algo completamente diferente a l visto hasta ahora. A algo no solo bueno si no muy importante en el cine contemporaneo.

No puedo decir nada de la historia, del guión, del que apenas se deduce nada en estos 15 minutos. Muy bien elegidos por Cameron para impresionar, ponerte los dientes mas largos que a un puto dientes de sable, y no contarte casi nada a nivel de historia. 

Me pregunto si la historia estará al mismo nivel que la factura técnica y los efectos. Me lo pregunto. En el caso de que lo estén no hay duda de que estaremos ante una de las mejores pelis en muchos años. Me parece muy difícil que eso ocurra. Debería ser un guión del Copón para llegar a superar su propia factura técnica. Pero cada vez me dan más ganas de verla, porque pienso que, cuando los efectos especiales de TERMINATOR 2 me dejaron allá por 1992 completamente acojonado como al mundo entero, también descubrí que tenía un guión tan redondo y perfecto como el de muchos clásicos. James Cameron es un genio del cine, y merece la pena haber esperado tanto tiempo para ver ésta peli.

Ésto es solo una reseña de un soñoliento e impresionado cinéfilo. En breve, algo mas currado.

jueves, 18 de junio de 2009

[ Cr ] LOS MUNDOS DE CORALINE, HENRY SELICK


Creo que sería muy fácil y tópico decir que LOS MUNDOS DE CORALINE "no es una película para niños", por su tono oscuro, terrorífico y, sin duda, muy macabro.

También es muy fácil hablar del hecho acertado de su tono. De que "los cuentos originales siempre han sido relatos oscuros y llenos de elementos terroríficos". 

Todos sabemos ese hecho del que siempre habla el listillo de turno de que "los cuentos que todos conocemos y que les contamos a los niños son relatos suavizados, en realidad las leyendas y relatos en los que se basan son historias muy oscuras y enfermizas".

Todo esto es cierto. Pero sería una falta de respeto al lector sustentar una crítica o una opinión sobre LOS MUNDOS DE CORALINE en ésta teoría mil veces oída. Por mucho que sea una teoría cierta. Es algo muy fácil de decir, y una manera muy sencilla de opinar y hacerse el inteligente.

Cierto es que LOS MUNDOS DE CORALINE respeta ese principio propio de los cuentos originales, llenos de oscuridad y violencia. Pero lo que no estoy de acuerdo es de que "éstas historias" no sean apropiadas para los niños de determinadas edades.

LOS MUNDOS DE CORALINE, basado en un cuento de Neil Gaiman ( BEOWULF, STARDUST), es un relato magníficamente contado. Un guión equilibrado casi a la perfección, a excepción de un par de momentos demasiado alargados o secuencias excesivamente largas debido a que su director, el magnífico (y poco valorado) Henry Selick, da más importancia a la carga visual de algunos momentos que a la necesidad narrativa de los mismos. Pero son errores muy perdonables ya que esa carga visual por la que están vendidos merece la pena. Y más si vemos la película en el maravilloso y renovado 3D digital. Todo se convierte en un festín de lo más cojonudo y disfrutable.

Todo el sistema de Stop Motion con marionetas es el modo de hacer cine más cercano al clásico que existe. La paciencia que exige y la dificultad que implica para su director son hechos indudables. Es decir, imaginaos lo que debe ser dirigir un plano, cuando tardas en hacerlo una semana. Como director debes perder el hilo y el ritmo de la narración cada dos por tres. Exige una concentración continua durante todo el proceso, estando al tanto de lo que se está rodando en todo momento y de como, al final, vas a ensamblarlo todo y que ese todo tenga un sentido. Y además funcione. 

Selick consigue todo esto porque es uno de los mejores animadores vivos. Posiblemente más completo que el mismo John Lasseter. Y nos regala una auténtica película para el cine. Me refiero a que, normalmente, uno debe decidir de que modo debe hacerse un guión una vez está escrito. No antes. Cuando uno está escribiendo un guión no debe pensar, "éste es un guión para rodarse en B y N" o "para hacerse en animación". Ese hecho debe decidirse después. Porque si un guión está bien escrito va a pedirte como debe hacerse el solo.

En el caso de LOS MUNDOS DE CORALINE el modo no podría ser más acertado. Es una historia nacida para éste medio. No he leído el libro, pero opino que ésta historia funciona mejor como animación que en papel. Y eso que, en un principio, Selick pensó, hace unos cinco años, rodar ésta historia en imagen real. 

Todo el desarrollo de la historia, que sucede en unos clasiquísimos y perfectos tres actos, tiene un ritmo perfectamente medido. A pesar de algunos momentos más aburridos, LOS MUNDOS DE CORALINE es una historia acertada en todos sus puntos. Divertida.

Cuando, varias líneas más arriba, he dicho que creo que es una película apta para cualquier tipo de público me refiero a lo siguiente. Es verdad que ese tono oscuro y sus poderosas imágenes de terror pueden asustar a más de un niño (y a algún adulto). Pero da igual. Es decir. Es propio de los niños asustarse y tener pesadillas. Es más, es bueno si lo analizas desde el punto de vista cinematográfico. Las dos sensaciones más fuertes que un niño puede pasar en el cine son : el vértigo de las películas de aventuras como LOS GOONIES o el miedo que le puede producir una película como LOS MUNDOS DE CORALINE. Y hoy en día no se hacen películas con elementos terroríficos que también puedan ver los niños. Porque SAW no la van a ver, y no porque les pueda traumatizar (eso es una memez), si no porque se van a aburrir y no se van a enterar de nada. Pero un chavalillo puede ver LOS MUNDOS DE CORALINE y pasarselo a la vez genial y a la vez pasar un rato terrorífico, lo cual es una experiencia de lo más importante y buena en su vida. Porque está bien que vean pelis suaves y llenas de positivismo, pero también es necesario y bueno que vean esto. Y pasen ese miedo tan primario y, en el fondo, agradable.

LOS MUNDOS DE CORALINE es una película que puede verse solo, acompañado, con gente, con la sala llena o vacía. De cualquier manera, porque la experiencia es muy individual y exagerada. Muy extrema a muchos niveles. Es una peli para ver en el cine y en 3D, formato para el cual se ha rodado. Y no digo que esté mal verla en pantalla normal 2D... si no que si la ves así es como ver una película en color en un cine que solo puede proyectar en B y N (Cosa que no es posible, pero solo es un ejemplo)

Una peli muy completa. Llena de personajes bien escritos y situaciones de los más macabro. Muy divertida y sana (si, sana).

Lo único que puede convertir la peli en algo que los chavales no entiendan bien, es un par de momentos ya casi al final de la peli, en los cuales la trama se lía un poco y hace falta estar muy al loro para poder seguirla. Pero tampoco pasa nada. Los niños ven pelis de las que no se enteran de nada y lo pasan igual de bien. Las dos primeras pelis que yo vi en el cine, a las cuales me llevó mi padre cuando yo tenía 4 años, son BATMAN y AKIRA. Por eso mi cerebro está dañado.

Es cierto que hay cierto tipo de gente que, antes de ver ésta peli, ya diría que es genial y fantástica. Todo por el simple hecho de su estética siniestra y cercana a Tim Burton, y su carácter medio infantil medio adulto. Solo por eso habrá gente que diga que es genial, sin haberla visto. Intentad evitad a éste tipo de capullos, que es fácilmente identificable al contacto visual. Son... bueno... sabéis como son.


Es también muy fácil hablar del paralelismo que se crea con Alicia en el País de las Maravillas. Todo el tema del túnel al que llega persiguiendo a un animal, el gato que le habla... ese personaje que es un alter-ego de la Reina de Cartas. Y no es interesante, así que olvidarse de ello.

Recordad un cosa... esa peli que todo el mundo llama PESADILLA ANTES DE NAVIDAD DE TIM BURTON, está dirigida por Selick, que es su principal responsable. Y dicho sea de paso... PESADILLA ANTES DE NAVIDAD es un film bastante sobrevalorado. Está lleno de fallos de guión y ritmo. Se hace muy pesada con tanta canción, y uno no puede seguirla de manera fácil.  


lunes, 15 de junio de 2009

[ Not ] Nuevas entregas de MISIÓN IMPOSIBLE y JAMES BOND.





Nuevas noticias nos llegan sobre las nuevas entregas de dos franquicias millonarias. Tanto James Bond como Ethan Hunt calientan motores para rodar sus nuevas aventuras y, de paso, hacer más ricos a sus, sin duda, listísimos productores.

Empezamos por James Bond, que tiene más entregas y es más vejete. 
Después de que QUANTUM OF SOLACE se convirtiese en la película más taquillera de toda la franquicia,  estaba claro que tenía que haber un Bond 23. Lo que ocurre es que ésta última película, dirigida por el alemán Marc Forster, no llegó ni por asomo a la calidad de la espléndida CASINO ROYALE, que dirigió el efectivísimo artesano Martin Campbell

QUANTUM OF SOLACE cosechó críticas y reacciones mucho más negativas por parte de crítica y fans. Normal, la peli era un pestiño bastante grande, de la que solo se salvan las escenas de acción dirigidas por ese genio que es Dan Bradley.  Aunque su calidad no fue problema para que fuese un exitazo de tres pares de pelotas. Y eso es de respetar, guste a los europeos pedantes o no.

Muy listos, los productores, para la tercera entrega con el nuevo Bond interpretado magníficamente por Daniel Craig, quieren volver a las raíces de CASINO ROYALE  y están, al menos por el momento, organizando las cosas en esa dirección. 

Éstos productores son Barbara Broccoli y Michael G. Wilson. Para ésta entrega han cedido los mandos del guión, de nuevo, a Neal Purvis y Robert Wade, responsables de las dos anteriores, pero con una diferencia; si en aquellas los guiones fueron supervisados por Paul Haggis (CRASH, EN EL VALLE DE ELAH) en ésta ocasión el encargado será el maravilloso Peter Morgan, autor de los magníficos libretos de THE QUEEN o FROST/NIXON

Metro-Goldwyn-Mayer sigue haciendo pasta con sus nuevas entregas de franquicias re inventadas. Ha pasado con James Bond y con el Batman de Christopher Nolan, que culminó en esa Obra Maestra moderna que es EL CABALLERO OSCURO.

Veremos que pasa, pero en mi opinión, les puede ser muy fácil cagarla. CASINO ROYALE es una película casi redonda, y muy difícil de superar. Y va a ser complicado que hagan algo mejor. Sigo pensando que CASINO ROYALE es la mejor de toda la franquicia. 

Después tenemos rumores sobre una nueva secuela de Misión: Imposible. Tom Cruise es, obviamente, de nuevo productor de la película y protagonista (a pesar de algunos extraños rumores que situaban a Brad Pitt en el rol de Ethan Hunt).

La nueva entrega de Misión Imposible es por acuerdo, es decir, Paramount tenía que hacerla por contrato. Más después del éxito dentro de la crítica de la última, dirigida por JJ Abrams. Eso sí, ésta última entrega, no tuvo el éxito comercial de las otras dos. Que no significa que fuese un fracaso, MISSION.IMPOSSIBLE III recaudó una gran suma de pasta en todo el mundo.

Pues bien, para ésta nueva secuela Cruise, parece ser, y así lo ha hecho saber TV GUIDE, quiere volver a contar con el señor JJ Abrams. Que ,recordemos, no fue la primera opción  para la tercera parte, para la cual fue David Fincher el primer reclamado, aunque este rehusó. 
El mismo JJ Abrams ha sido el encargado de hacer saber la noticia, y comunicar también su disposición hacia Paramount. También comentó que él y Cruise tienen una idea cojonuda para la nueva película, aunque no cuentan con ningún tipo de guión. 

Es curioso como han evolucionado dos franquicias de características parecidas. Ninguna de las dos nacieron para el medio cinematográfico, lo cual es una ironía. James Bond es un personaje literario, y Misión Imposible es un programa de tv. 
 
Hay que tener en cuanta que, para acercarte a cada una de las sagas, hay que hacerlo de manera distinta. Las pelis de James Bond giran en torno a él y, por ésta razón, son más limitadas con respecto a ciertas cosas. Pero con respecto a otras tiene un lienzo mucho más amplio. Y Misión Imposible igual. 

Creo que Misión Imposible permite una manga más ancha con respecto al estilo estético y de dirección. Que puede que el tipo de historias con las que juega Misión Imposible permitan que, los productores, contraten a directores con una personalidad más marcada. Ya que el tipo de constantes que tiene son más de guión, más de situaciones.

James Bond exige que los directores contratados cumplan órdenes de sus productores. Deben ser directores mucho más profesionales y menos personales. O por lo menos directores que acepten un control de calidad por parte de la productora. Estoy completamente convencido de que Jmes Bond es una saga que pertenece a sus productores por naturaleza, y que debe ser controlada para mantener su calidad. CASINO ROYALE fue magnífica, y la dirigió el que también dirigió el primer renacimiento de Bond en los 90, GOLDENEYE, el director Martin Campbell.

Por esta razón creo que la cuarta parte de Misión Imposible debería contar con otro director, un director que sepa dirigir acción. O puede ocurrir lo mismo que con QUANTUM OF SOLACE, que se note un huevo que las partes de acción las ha dirigido otra persona.

jueves, 11 de junio de 2009

[ Cr ] SEÑALES DEL FUTURO, ALEX PROYAS.



Alex Proyas es un director con gran inventiva visual. Que sabe muy bien "elegir" el tono que debe llevar una película en particular, según se le ofrezcan o según decida hacerlas.

Un famoso director de cine dijo una vez que el trabajo de un director, si se reduce a su mínima esencia, es saber elegir bien. Y eso es algo en lo que Proyas es bueno, como he dicho antes. Es un buen director.

SEÑALES DEL FUTURO es una película de ciencia ficción enmarcada en una plantilla de cine de suspense y terror. Que no da miedo pero que se construye sobre un misterio, o un secreto, que puede llevar al público al miedo. Lo cual es muy interesante a nivel de forma. 

Alex Proyas, que ha realizado maravillas como DARK CITY o EL CUERVO y películas muy entretenidas como YO, ROBOT, es un gran profesional que sabe como debe enfrentarse a según que idea. Desde que punto de vista. Y en esta ocasión también acierta. Aunque SEÑALES DEL FUTURO no llegue en ningún momento a la calidad de las dos primeras cintas citadas del mismo director, si es un film con gran calidad a nivel de dirección y forma. Muy rico en sus planteamientos espaciales con respecto a posición de cámara y ritmo narrativo. Es divertida y te mantiene interesado desde el principio. Es una humilde propuesta de "cine de evasión" con cierto tufillo a cine familiar, muy efectivo en estos casos.

Si uno la mira bien SEÑALES DEL FUTURO parece uno de esos capítulos de series como EN LOS LÍMITES DE LA REALIDAD, MÁS ALLÁDEL LÍMITE o HISTORIAS INCREÍBLES, pero con una duración propia del cine. Si en aquellas series los capítulos duraban una hora, media o tres cuartos; SEÑALES DEL FUTURO dura lo propio de una cinta de cine, y por tanto tiene más tiempo para dibujar a unos personajes, eso sí, bastante tópicos. Y ese es uno de los grandes fallos de la peli. En las citadas series los personajes eran tópicos porque, de algún modo, necesitaban serlo. Ya que la duración de los capítulos no permitía a los guionistas desarrollar unos personajes muy originales o complejos. La duración de las historias requería que la gente reconociese a los personajes rápido, para centrarse en unas tramas que eran muy originales. Lo fuerte en las series de, por ejemplo el genial Rod Serling, eran las historias, las tramas. Originales y sorprendentes. Llenas de giros y secretos. Y así de algún modo s SEÑALES DEL FUTURO. Es una trama bien construida, muy pensada para el público en el sentido de que, se nota, que los guionistas has estado pensando en todo momento "¿Qué pensará aquí el público?, ¿y aquí?"... lo cual es muy de agradecer.

No es una magnífica película, pero sí muy entretenida. Que exige que estés atento, y te invita a conversar (en bajito, eso sí) con la persona de la butaca contigua en el cine. Continuamente la mente del espectador especula con lo que en realidad puede estar pasando. Y lo dirige hacia un final que es cojonudo. Muy bueno. Pero que de algún modo te puedes esperar, ya que las variables se van resolviendo en plan dominó durante toda la película.

Unos personajes algo mal dibujados y muy tópicos. Que no caen mal ni bien. Pero que comprendes y desde el principio. Y pasas a fijarte en una trama, que es lo más interesante.

Con un planteamiento muy efectivo, la película siempre va hacia delante, sin detenerse. Pero sí con algunos puntos más flojos que otros a nivel de credibilidad en el guión. Por ejemplo, cuando el personaje de, un cada vez más soso Nicolas Cage (parece increíble que éste tipo sea el mismo de películas tan interesantes como fueron CON AIR, CARA A CARA, LEVING LAS VEGAS o ARIZONA BABY) encuentra, escrito en el somier de una cama la solución a uno de los misterios planteados. Ese momento está cogido con hilos, y es bastante poco creíble. Proyas parece ser consciente de ello, y intercala esa escena con otra, de gran tensión y muy bien dirigida, en la que unos extraños personajes (no quiero hacer ningún Spoiler) acechan un coche con unos niños.  

La cinta está llena de grandes momentos a nivel de dirección. Uno de ellos, el más interesante y magníficamente dirigido, es el del accidente de avión junto a la autopista. Todo en un plano secuencia. El protagonista interpretado por Cage, se topa con éste accidente. El tipo ve como el avión sobre vuela la zona y se estrella, seguidamente se acerca al lugar donde ha caído el avión y se pasea entre los restos, entre los cuales víctimas, todavía ardiendo, del accidente buscan y piden ayuda. Una escena cojonuda de una calidad cinematográfica incuestionable.

SEÑALES DEL FUTURO es una película recomendable. Es divertida y está bien construida, nos respeta enormemente como público y se preocupa porque no nos aburramos. Lo cual es muy de agradecer. No será nunca un clásico, pero sí una peli de ver para pasarlo bien.

Un final que puedes esperarte, eso sí, rodado magníficamente. Pero, tras ese magnífico final, un epílogo bastante absurdo te estropea el buen sabor de boca que te deja el film. Lo mejor es no hacerle caso a ese epílogo, que pretende tener una gran carga onírica, y centrarse en el final real de la película. Y pasarlo bien.  

Eso sí, una escena da pié a una secuela... veremos que pasa. 

[ Cr ] TERMINATOR SALVATION, McG



TERMINATOR SALVATION ha sabido hacer algo que su predecesora, la mediocre (aunque cómica y graciosa) TERMINATOR 3 no supo. Y es darse cuenta de que repetir el esquema de las dos primeras no funcionaría. 

Porque uno pude pensar que TERMINATOR y TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL son iguales a nivel de género. Pero no es así. Independientemente de que repitan un esquema común, son dos películas muy distintas. TERMINATOR es una peli de terror y TERMINATOR 2 es una peli de acción. La mitología sobre la cual se sustentan es ciencia ficción pura. Ésta manera es la más inteligente de hacer ciencia ficción. Construir una trama que tenga un tono determinado y estructurarla según otro género determinado. Así la mente del espectador puede ir en dos direcciones, el que no está interesado en la mitología y la ve como una peli de género más (y la disfruta muchísimo) y el espectador fan de la saga, que estudia la mitología y el trasfondo genérico que lo sustenta. 

TERMINATOR 3 optó por repetir el esquema de "familia Connor" protegida por un Terminator y perseguido por otro Terminator. En ésta ocasión la peli se construyó como una comedia de acción, en la que numerosos gags construían parte de la trama. No funcionó y resultó bastante mediocre. A pesar de su intención de "cerrar el circulo" con un final que, aun estando bastante bien, era el único posible.

TERMINATOR SALVATION se desmarca de éste esquema de persecución, para construir un film bélico. Que funciona por sí mismo pero que respeta la mitología de la saga, a la que hace referencia de manera continua. Porque en realidad, debido al momento en el que ocurre, es a la vez una precuela y una secuela. No es el futuro que vimos filmado por James Cameron en los flas-fowards de las dos primeras cintas. Es un futuro anterior a ese.

TERMINATOR SALVATION ocurre en un momento en que la guerra entre máquinas y hombres está igualada a varios niveles. Ese hecho convierte a la cinta en una peli "de guerra". Y si la analizamos tiene un tono de cinta de acción, lo cual la convierte en una excepción entre las pelis de guerra actuales, las cuales todas suelen tener un tono antibelicista dramático. TERMINATOR SALVATION es acción. Es ritmo.

Nunca llega a la calidad ni altura de las dos películas de James Cameron, que creo son dos Obras Maestras inimitables. Pero sí es una buena manera de revitalizar una saga que había tenido un mal colofón con la cinta que dirigió Jonathan Mostow (gran artesano por otro lado, autor de la entretenidísima BREAKDOWN)

TERMINATOR SALVATION no pasará a la historia, pero si será recordada como una peli muy conseguida, valiente por el hecho de contar una parte de la historia que exigía un tono absolutamente diferente. Y un acercamiento distinto.

Yo soy un fan de la saga absolutamente enfermizo. He visto las dos primeras partes innumerables veces. Y creo que ésta película me respeta como público. Es una cinta hecha para un público muy amplio.

Está llena de momentos interesantes y necesarios a nivel de trama para contar la historia que se cuenta. Muy en la línea de muchas pelis bélicas. El ritmo es muy acertado y la dosificación de acontecimientos es correcta, sin adelantar mucho.

El error principal de TERMINATOR SALVATION ocurre al final, lo cual lo convierte en un error más grande.

La peli comete un fallo muy grande al empezar el tercer acto. El momento en el que el personaje de Marcus Wright, interpretado por un magnífico Sam Worthington, se recupera de sus heridas y aparece frente a una gran pantalla; en la cual Skynet le resuelve una serie de dudas, está muy mal planteado. En ese momento Skynet cuenta a Marcus su plan contra los humanos. Descubre su secreto a un prototipo que, sabe, se ha vinculado con los humanos. Esto no tiene mucho sentido, y esta cogido con hilos. Pero sirve para que Marcus vaya a rescatar a John Connor, un siempre excelente Christian Bale, cuando éste pelea con el nuevo modelo de Terminator, el T-800, en un maravilloso cameo virtual de Arnold Schwarzenegger

Una serie de sucesos demasiado rápidos ocurren. Sucesos que deberían ser o más lentos o menos sucesos. Se acelera un final que no está a la altura del planteamiento y desarrollo del resto de la cinta. Pero que es muy lógico. Que funciona bien. Independientemente de que el final pueda desagradar a los que somos fans de la saga, por motivos obvios, la cinta no falla en su estructura. Es correcta y buena. Y aun así, el final no tiene porqué desagradar al fan, según lo mires. La óptica con la que se analice el lugar que toma éste momento en el todo de la mitología es cuestión de puntos de vista. Ocurre en un momento nunca mencionado o visto en ningún otro capítulo. Incluso la serie de tv.

TERMINATOR SALVATION es una buena peli bélica, con grandes escenas de acción y llena de guiños a la dos primeras partes, en forma de planos, canciones, momentos, frases o gestos.

Una buena peli, aceptable a todos los niveles y que no se puede discutir su funcionalidad. Nunca será una peli de culto y se olvidará, pero aún así, cuando se recuerde, deberá ser con una idea positiva. 

miércoles, 10 de junio de 2009

[ Cr ] STAR TREK, JJ ABRAMS



STAR TREK es una película que nunca encuentra su género. Navega por varias aguas tratando de pillar un tono narrativo que nunca llega. En consecuencia, la trama se hace caótica y sin ritmo. Se convierte, a pesar de sus numerosas escenas de acción, en una película muy aburrida.

JJ Abrams es un tipo muy inteligente e ingenioso. Una persona muy creativa. Sus series dan fe de ello. Es un productor con gran capacidad de organización, CLOVERFIELD era una película muy buena. Y su primera peli como director para la gran pantalla, MISION IMPOSIBLE 3, era una cinta realmente muy conseguida, a todos los niveles. Pero todo esto da igual, no por ser un creador tan efectivo cualquier paso que dé, o cualquier decisión que tome es acertada.

 STAR TREK es, para empezar, una película sin género. Y, cuando trabajas una película de estas características, es indispensable desde el principio saber por donde te vas a mover a ese nivel. Si uno reduce la película a su más mínima esencia, se encuentra con el enfrentamiento entre dos ejércitos, y no como marco de la historia, si no como la historia en sí. Lo cual convertiría a STAR TREK en una cinta bélica, pero no la estructura como tal, ya que ocurren muchísimas cosas en el desarrollo que no me aportan nada a nivel de trama. Numerosas escenas de acción que marcan un tono mucho más propio de un cine de acción veraniego. Cosa que no tiene porqué estar mas si el resto de la película respetase ese principio básico. Pero JJ Abrams se dedica a contar la historia de varios personajes durante el desarrollo. Conoceremos quién es Spock y quién el capitán Kirk. El ritmo de la película decae continuamente porque, como público, nunca sabes que es lo más importante. No hay peso en ningún sitio. Es más una acumulación de eventos al rededor de una serie de personajes. Lo cual es más propio del medio televisivo, la acumulación de eventos al rededor de unos personajes que se definen durante la historia.

El cine, debido a sus características temporales, suele definir a sus personajes (o al menos intenta que el público tenga una idea clara de ellos) en el primer acto, para así poder estructurar la historia al rededor de la trama, sin tener que preocuparse porque el público no conozca bien a los protagonistas.

Los guionistas de STAR TREK son dos magníficos guionistas de televisión, amigos de JJ Abrams y responsables de series del director como Fringe o Alias. Además de ser los escritores de las dos partes de TRANSFORMERS. La segunda no la he visto, pero la primera, a pesar de ese asqueroso puritanismo y conservadurismo propios de Michael Bay, era una peli de lo más divertido. Aun así, el guión de STAR TREK pretende funcionar a demasiados niveles, y fracasa.

Nunca he sido alguien que ataque a las pelis por tener muchos efectos especiales, eso me parece genial. No me molesta. STAR TREK tiene muy buenos efectos especiales, grandes escenas de batalla bien resueltas, en ocasiones, desde el punto de vista de la dirección. Pero aun así no sorprenden, ya que esa cantidad de efectos no está medida. La intensidad de los mismos o de las batallas no están equilibradas. La peli te resulta como un largo capítulo de alguna serie de acción en el espacio.

Los actores, todos bastante mediocres, a pesar de las buenas intenciones de algunos de ellos. Nunca llegas a meterte en la historia por ellos, a pesar de que todo el peso reposa sobre sus personajes, y el conocerlos. Nada de lo que les pase nos interesa.

El enfrentamiento, la esencia argumental del film, está mal dibujada. Mal dosificada. Parece que "los malos" aparecen y desaparecen sin tener importancia en la trama. Es como si solo vieses tres momentos que cuentan la historia y el resto sobrase. Y esos tres momentos tampoco tienen mucho que ver entre ellos. Porque nunca sabemos, tampoco, quién es el protagonista de la cinta. El hecho pivota entre Spock y Kirk. Sin nunca centrarse. Parece que han unificado en un mismo guión dos borradores diferentes y no han decidido nada después.

 En definitiva, una película fallida a nivel de peso en el guión. Una cinta de estructura mala y débil. Indecisa. Sin columna vertebral. Aburrida y larga. Nada gratificante a nivel de disfrute cinético. Aunque esto último es cuestión de opiniones. 

jueves, 4 de junio de 2009

[ Cult ] TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL. JAMES CAMERON, 1991





El éxito de TERMINATOR (1984), demandaba una secuela. Los productores estaban dispuestos desde poco después del estreno, pero James Cameron, su director , no quería meterse de nuevo en la misma mitología tan de golpe. El director necesitaba implicarse en un proyecto que le resultase fresco. 

Se embarcó en dos películas más antes de realizar la secuela de TERMINATOR. Éstas películas fueron ALIENS: EL REGRESO (1986), un proyecto de encargo que era una secuela de la exitosa película de Ridley Scott. Y ABYSS (1989), un proyecto mucho más personal y una película de gran duración, de la que tenía escrito el argumento desde antes de TERMITATOR.

 Tras esta pausa y siete años de duración, Cameron decidió meterse de lleno en una película que significaría un punto y aparte en la Historia del Cine. Completamente consciente, esta vez, de que su intención iba en la dirección de hacer una peli "realmente definitiva sobre robots", Cameron y su amigo y colaborador William Wisher se pusieron manos a la obra para escribir el guión de la que sería la secuela de TERMINATOR.

Teniendo en cuenta cual era la mitología establecida por la anterior película, Cameron y Wisher decidieron, desde el principio, que si en la anterior película las máquinas mandaban a un robot a través del tiempo para matar a la madre del futuro líder de la resistencia, John Connor, y fracasaba, en ésta ocasión las máquinas debían mandar a otro asesino para acabar directamente con el mismo John Connor, aún siendo un niño.

Partiendo de ésta premisa, la escritura del guión fue corta y rápida. Teniendo en cuenta que, en el nuevo futuro (un futuro más futuro que el de la primera TERMINATOR), los rebeldes han conseguido hacerse con algunas de las máquinas y robots de Skynet, y han conseguido controlarlas. De esta manera conseguían algo muy comercial y efectivo, que el viajero a través del tiempo para proteger a John Connor sea también un Terminator (T-800, modelo 101), que es obviamente Arnold Schwarzenegger.

 Así podían enfrentar a dos Terminators, y transformar a la cinta en una película de acción pura, al contrario que su predecesora. El Terminator al que se enfrentaría Arnold sería un modelo nuevo, un T-1000, una invención de la prodigiosa mente de Cameron. Una invención que requeriría de las más altas tecnologías de la época para ser creada. La que se convertiría en la verdadera estrella de la función, la llamada en el guión polileación mimética. 

TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL (1991) requería un presupuesto y equipo más grande que la primera parte.

La producción correría a cargo de Carolco, en asociación con Paciffic Western, Canal + y Lightstorm Entertaiment, ésta última productora del mismo Cameron. 

La película recuperaba gran parte de el equipo de la anterior. Uno de los puntos más importantes la recuperación de ese genio, fallecido reciente y desgraciadamente, llamado Stan Winston. También recuperaban al director de fotografía Adam Greenberg, a a productora Gale Anne Hurd o al compositor del famoso tema de TERMINATOR, Brad Fiedel. Importante es hablar de la incorporación al equipo del genio del cine Dennis Murren y y su división de Industrial Light & Magic, para la película. Porque serían el señor Murren y su equipo de informáticos los que revolucionarían el cine para siempre, creando el cuerpo de metal líquido del antes citado T-1000, que tendría las facciones de un magnífico actor, Robert Patrick.

Robert Patrick era un desconocido actor, que había tenido un papel muy pequeño en LA JUNGLA 2: ALERTA ROJA (1990), en el que obviamente moría a balas del magnífico gatillo de John McClaine, alias, Bruce Willis. En el casting para el papel del cyborg, Cameron quedó impresionado por la capacidad de Patrick para parecer que está alerta en todo momento. Su potente lenguaje corporal, junto con un físico que iba a la perfección con el papel, hicieron del T-1000 un robot a la altura de Arnie.

Completar el reparto con Linda Hamilton en el papel, nuevamente, de Sarah Connor no era suficiente. Uno de los personajes principales era John Connor. Debía ser un chaval. Había que hacer un casting. 

James Cameron dejó bastante claro desde el principio que no quería un debutante. No necesitaba que fuese un actor joven muy conocido, lo que necesitaba era a un chico que ya hubiese pasado por la experiencia de rodar, de tal manera que el trabajo fuese más fácil y rápido. Pero la directora de casting no encontraba a nadie, hasta que vio a un chiquillo en una piscina de pasadena. Un chico llamado Edward Furlong. Las primeras pruebas de cámara no fueron positivas, por las razones obvias que James Cameron decía, con respecto a la experiencia. Tras un pequeño periodo de entrenamiento con un profesor de interpretación, la directora de casting convenció a Cameron de volver a hacerle la prueba a Furlong, ésta vez, el director quedó sorprendido, y le dio el papel al joven. 

TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL, tuvo un rodaje que duró 6 meses, desde Octubre de 1990 a Abril de 1991. Las localizaciones abarcaron a Los Angeles y sus alrededores, y otros lugares de California.

El rodaje estaba perfectamente organizado por cuestiones obvias. La complicación que implicaba tal nivel de efectos especiales mezclados con imágenes de fotografía principal, obligaba a los cineastas a planificar cada hasta el milímetro. Durante la filmación, Dennis Murren y su equipo de magos de IL&M, revisaban el material rodado continuamente y lo trabajaban dentro de sus ordenadores. Toda la película tenía un story board absolutamente detallado con respecto a los efectos necesarios en cada plano. Teniendo en cuenta el tiempo de renderización necesaria en la época, TERMINATOR 2 es un absoluto logro en cuanto a producción y organización.

Los efectos relacionados con el metal líquido del T-1000 fueron lo que exigieron casi todo el tiempo del equipo de efectos visuales. Robert Patrick tuvo que aguantar horas y horas de escaneos a su cuerpo por medio de técnicas que capturaban los volúmenes de su cuerpo gracias a un láser vertical que giraba a su alrededor. De éste modo un ordenador podía tener un molde digital de su cuerpo. Molde que había que animar. Ésta técnica se perfeccionó posteriormente en otra película de la cual Dennis Murren también se ocupó a nivel de efectos, esa Obra Maestra que es PARQUE JURÁSICO (1993).

El trabajo de Stan Winston Studios y Fantasy II, la empresa de Stan Winston, tuvo que crear gran cantidad de efectos para la película. Si en la primera el gran logro correspondió al molde de la cabeza de Arnold Schwarzenegger y al endoesqueleto, en ésta las dificultades y logros se triplican. Varias replicas del cuerpo de Arnie fueron creadas, todas manejadas por control remoto y cables por titiriteros. En especial para la escena en la cual el Terminator T-800 sale por el pasillo de la empresa Cyberdine Systems mientras un grupo especial de la policía le acribilla a tiros. Se ve magníficamente como los disparos dan en la cara y cabeza del personaje, y se van descubriendo los rasgos robóticos bajo la piel. También tuvieron que crear las prótesis necesarias para cubrir la cara de Arnold parcialmente, de tal manera que pareciese que en esqueleto metálico aparece bajo su piel, así como el famoso piloto rojo que es el ojo. También se tuvieron que crear varios endoesqueletos completos animatrónicos, para la secuencia de apertura que ocurre en el futuro, durante la guerra nuclear.

Linda Hamilton vio como creaban una réplica de su cuerpo para la escena en la cual tiene una pesadilla sobre el holocausto nuclear, en el cual su cuerpo se quema y estalla. Así también se creó una réplica de la parte superior del cuerpo de Robert Patrick, para la escena en la cual el T-1000 recibe un disparo en la cara por parte de Sarah Connor, y su cabeza acaba como un donut.

Todas las miniaturas corrieron a cargo del mismo equipo que en la primera película. Lo más increíble fue la réplica de la ciudad destruida por el holocausto nuclear. Una verdadera proeza de combinación de efectos físicos y digitales. La semilla de todos los Matrix, Señores de los Anillos o Transformers a nivel de efectos visuales CGI.

El 7 de Julio de 1991 se estrenó la película y, solo en el primer fin de semana, se embolsó más de 31 millones de dólares. Más tarde la cifra, en Estados Unidos sería de más de 147 millones, y a nivel mundial de más de 519 millones. Convirtiéndose, en su momento, en la película más taquillera de la historia del cine. Título que le quitaría al año siguiente PARQUE JURÁSICO, y poco después Cameron se haría, de nuevo, con el cetro de "director de la película más taquillera de la historia" gracias a la, todavía en la cima, TITANIC

Hay que decir que esa cifra astronómica correspondía a una película que era No recomendada para menores de 18 años. Todo un éxito.

La recepción a nivel de crítica fue excelente, llegando a estar en las listas de "mejor película" de muchos críticos del mundo. Colocándose algunas de las listas de las Mejores Películas de la Historia. 

TERMINATOR 2 contaba una historia que empieza cuando las máquinas envían un cyborg a acabar con el futuro líder de la resistencia. El propio John Connor, desde el futuro, envía a un protector para sí mismo. Un androide modelo T-800, similar al que intentó matar a su madre en el pasado. Desde éste punto de vista lo que tenemos es una película de accción y persecuciones. Dos Terminators, uno quiere matar a Connor y el otro salvarlo. 
La trama película cobra una fuerza impresionante cuando John Connor y el Terminator interpretado por Arnold Schwarzenegger rescatan a Sarah Connor del hospital psiquiatrico donde está recluida. 

Sarah Connor decide cambiar el futuro ella, al descubrir cual será la evolución de la rebelión de las máquinas y porqué. 

Sarah descubre que, cuando ella destruyó bajo una prensadora al primer Terminator en 1984, una empresa encontró los restos del robot. Ésta empresa es Ciberdine Systems, y se dedicó a estudiar los restos, en especial el chip que se encuentra dentro de la cabeza del cyborg. Resulta que Ciberdine Systems y su principal investigador, un hombre llamado Miles Dyson, serán los responsables de crear las máquinas que se rebelarán contra la humanidad. Obviamente Dyson no es consciente de que en el futuro él será responsable de una guerra nuclear y la posterior muerte de miles de personas. Esto crea otra paradoja similar a la de Kyle Reese en la primera parte, ya que si el primer Terminator no hubiese venido y no hubiese sido encontrado por Dyson, no habría chip a través del cual investigar y crear las máquinas responsables de la guerra. Una auténtica comida de coco para el espectador. Una de esas maravillosas comidas de coco que nos puede hacer conversar durante horas. 

Sarah, al descubrir esto, decide matar a Dyson y así evitar la guerra. Ella, sabiendo el futuro, quiere cambiarlo a través de una muerte. Sarah es una especie de tercer Terminator. Posiblemente este sea uno de los puntos más interesantes de la película. Porque obviamente Sarah no es capaz de matar a Dyson. Pero, junto con John su hijo y el Terminator de Arnie, comunica a Dyson todo el futuro y que él será el responsable de la guerra que acabará con la humanidad. Ahora tenemos un momento en la historia en la cual el responsable de la guerra, sabe el futuro. Puede cambiarlo. 

Tras destruir todo lo que puede implicar que alguien conozca algo para seguir con las investigaciones,  matan al T-1000. El Terminator "bueno" se funde y se suicida, para así destruir el único chip que quedaba.

James Cameron escribió la película considerándola un final sin posibilidad de prolongación, ya que incluyó un final en el guión, que llegó a rodarse pero no a incluirse, en el cual una Sarah Connor disfrutaba en el futuro de una visita al parque que aparecía en sus pesadillas, un parque totalmente normal, en un futuro en paz.

Los productores, especialmente Mario Kassar decidió que ese final no se incluiría para dejar la posibilidad abierta a más secuelas. James Cameron aceptó.

TERMINATOR 2 significó muchas cosas para la generación de jóvenes cineastas (y no cineastas) que la vieron. Se convirtió en una película fenómeno. Estaba por todos lados. Influyó potentemente en la publicidad, y las películas trataban de imitarla. La Banda Sonora se vendió como churros y se convirtió en un éxito. Los videoclips imitaban al cine. Los anuncios y las portadas de los discos se impregnaron de su estética. Todos los de mi edad (24) que por entonces éramos unos mecacos a los que no nos permitían verla, recordamos como nuestros primos mayores (los que hoy tienen 30) iban a verla y volvían entusiasmados y hablando apasionadamente del film.

 Todos recordamos como al final la vimos y nos quisimos convertir en moteros y llevar gafas de sol.  

                                

martes, 2 de junio de 2009

[ Cult ] TERMINATOR, DE JAMES CAMERON. 1984.



Éste Viernes se estrena en nuestro país TERMINATOR SALVATION, la cuarta película sobre los personajes creados por James Cameron allá por 1984. 

TERMINATOR fue un proyecto surgido, dicen, de una imagen que Cameron tuvo durante un sueño febril. En ésta imagen el director veía un terrorífico esqueleto de metal surgiendo de unas llamas.  Éste parece ser que fue el germen de todo lo surgido luego. De las secuelas, los juguetes y la serie de televisión. Todo debido a una pesadilla de un tipo tuvo estando malito. 

TERMINATOR SALVATION contará lo que ocurre en el futuro. La guerra contra las máquinas. Lo que habíamos visto en las anteriores tres pelis en solo determinadas escenas, aquí se desarrolla, y se transforma en el núcleo de ésta ficción.

Para situar la historia en el tiempo y no liarnos hay que decir que: 

John Connor (Christian Bale) no es aún el líder de la Resistencia, es solo un miembro más de los soldados humanos. Todo lo que vamos a ver es anterior al futuro en el cual los Terminators son enviados en el tiempo. Es decir, Skynet, la inteligencia artificial líder de las máquinas, aún no ha desarrollado la capacidad de viajar en el tiempo. E, incluso, al empezar la historia no está desarrollado el proyecto de los Terminators T-800 (el modelo al que dio vida Arnold Schwarzenegger)

Teniendo claro esto, vamos a recordar que es lo que ocurría en la primera parte de ésta millonaria saga.

TERMINATOR se estrenó en 1984, y recaudó solo en Estados Unidos, mas de 38 millones de dólares. Y a nivel mundial más de 78 millones. Todo un record teniendo en cuenta que la película solo costó 6.400.000.

James Cameron solo había dirigido una película para la factoría de Roger Corman, PIRAÑA II: LOS VAMPIROS DEL MAR (1981). Factoría para la que el futuro director de TITANIC (1997) llevaba trabajando años como asistente de arte o director de arte. James Cameron es un gran dibujante.

Cameron conoció a su futura productora en la compañía de Corman. Gale Anne Hurd sería la encargada de buscar financiación para un proyecto que Cameron tenía en mente desde que, en Roma, durante la post-producción de PIRAÑA II, tuvo el famoso sueño febril del endoesqueleto entre llamas. Allí, encamado y enfermo, escribió el guión y pintó el famoso cuadro en el que plasmaba su "sueño" (no es por cursilería, es que ese fue su sueño)

Anne Hurd y Cameron querían trabajar juntos desde que se conocieron durante el rodaje de LOS SIETE MAGNÍFICOS DEL ESPACIO (1980). Y, por entonces, pensaron que podían formar una buena alianza el como director y ella como productora, y llevar a cabo sus propios proyectos. Todo gracias a que habían aprendido muchísimo en la factoría Corman, la mejor escuela de cine que existe. 

Anne Hurd buscó pasta para un guión que considerada cojonudo. Pero el libreto de TERMINATOR fue rechazado por todas las grandes productoras. Finalmente la habilidad de Anne Hurd consiguió que le apoyasen Orion Pictures, HBO y Hemdale.

Podían ponerse manos a la obra. Lo primero que tenían que hacer era reunir un casting. Cameron tenía las ideas clarísimas con respecto al aspecto que quería que tuviese la película. Y el diseño del endoesqueleto estaba casi listo. Todo parecía listo, pero tuvieron que sortear primero las típicas "sugerencias de los productores", una de ellas, que O.J Simpson fuese el Terminator.

Cameron tenía la idea de que el Terminator tendría un aspecto totalmente humano a todos los niveles en su exterior. Es decir, sería un ser que pasaría totalmente desapercibido entre las multitudes de gente. De ese modo, pensaba Cameron, le sería más fácil acercarse a la futura madre del líder de la resistencia, Sarah Connor, y matarla. En un principio el director pensó en darle el papel a Lance Henriksen, y lo tenía muy claro, tanto que llegó a hacer lienzos en los que lo representaba con el metal del endoesqueleto asomando bajo sus facciones.

También se dio el papel de Sarah Connor a Linda Hamilton, una joven actriz poco conocida en el momento, pero que llevaba tiempo trabajando, entre otros proyectos, alguna de las partes de la famosa saga LOS CHICOS DEL MAIZ.

Para el papel de Kyle Reese, la primera opción era... Arnold Schwarzenegger. Sí. El musculoso austriaco era candidato a ser el héroe del film. Pero en la primera reunión que tuvieron, Arnold mostró tener más interés en el papel del Terminator. La idea, por muy loca que pareciese, entusiasmó a Cameron. Que rápidamente buscó a un nuevo Kyle Reese, papel que cayó en el actor de Nebraska Michael Biehn.

Con el casting listo, tocaba rodar. Cabe decir que finalmente, el que en un principio iba a ser el androide T-800, Lance Henriksen, se hizo con el papel de uno de los policías que investigan el caso. 

Cuando iban a empezar surgió el problema de que la estrella de la función, Arnie, fue reclamado por Dino de Laurentis para filmar la segunda parte de Conan, CONAN, EL DESTRUCTOR (1984). Bueno, problema, entre comillas, porque gracias a ese tiempo, Cameron y Anne Hurd tuvieron tiempo de sobra para desarrollar toda la producción. Y pensar como iban a hacer las complicadas escenas de ación, o las que implicaban la aparición del robot. 

El tema del maquillaje era muy importante. Para conseguir el realismo necesario, Cameron optó por llamar a Dick Smith, responsable de los efectos de maquillaje de películas tan importantes como EL PADRINO (1972), EL EXORCISTA (1973) o TAXI DRIVER (1976), la cual tiene una secuencia final que es historia, y de la cual el señor Smith es creador de todos los efectos de disparos y heridas. Cameron pensó que era la mejor opción. Smith declinó la oferta al leer el guión, diciendo que él no era la persona indicada para ese proyecto, que la persona indicada para ese proyecto era un tipo llamado Stan Winston.

James Cameron y Stan Winston se llevaron bien desde el principio. Winston, entusiasmado con la idea de la película, se puso a trabajar al momento, sabiendo que tanto el presupuesto como la dificultad de el trabajo a realizar, requerían tiempo.  

En un principio James Cameron estaba convencido de que las partes en las que aparecía el endoesqueleto interactuando con los actores, debían rodarse forzosamente con la técnica de Stop-Motion animation, cuadro a cuadro. Lo que significa trabajar con miniaturas, con muñecos. Lo que también significa trabajar por fotogramas y, por tanto,  requeriría bastante tiempo.

Stan Winston estaba convencido de que se podía construir un endoesqueleto de tamaño real. De cintura hacia arriba, para poder ser manejado por un titiritero experto. El endoesqueleto consistiría en la parte superior del T-800, de la cintura hacia arriba; torax, brazos y cabeza. Todo el chisme colocado encima de los hombros de un hombre, un fuerte titiritero. La idea no convenció a Cameron hasta que vio el robot fabricado. Una vez visto el magnífico efecto, James Cameron decidió hacer muchos más planos cerrados del androide, y realizar el resto de planos en los que se ve el endoesqueleto entero, con la técnica fotograma a fotograma.

Stan Winston también fabricó un molde de la cabeza de Arnold para las escenas en las que el T-800 se arregla uno de los ojos. Escena que ha pasado a la posteridad del cine de ciencia-ficción. Una maravillosa réplica de un realismo increíble, que incluso vista hoy parece real. También para la misma escena Winston creó un brazo falso, el cual el androide se abría y manipulaba haciéndose mover los dedos. Una de las mejores escenas de la peli.

Una vez hechas todas las réplicas, miniaturas y efectos. La película se rodó rápido y sin incidentes grandes. Salvo por la incomodidad de rodar todo de noche y en verano. En las zonas mas chungas de la ciudad. 

Los productores, sobretodo Handmade, crearon problemas con el hecho de que querían que la peli acabase en el momento en que estallaba el camión donde iba el robot asesino. Lo cual no ocurrió, afortunadamente, al final.

Orion Pictures estrenó la película en 1984, el 31 de Octubre. Se gastaron todo el dinero de la promoción en el lanzamiento, con la intención de que hiciese pasta en el primer fin de semana y después aflojar y, entonces, estrenarla en video. Lo normal de una película que se suponía era una serie B más. 

El enorme éxito de crítica y público, solo podía acabar en una cosa. Piden secuela.

TERMINATOR era la historia de una chica joven, Sarah Connor, que es perseguida por un robot enviado desde el futuro para matarla, porque su hijo (aún no concebido al principio de la película) sería en ese futuro el líder de esa lucha contra las máquinas. Ese hijo, desde el futuro, envía un protector para su madre, un joven soldado llamado Kyle Reese. La misión de Reese será proteger a Sarah del terrorífico T-800. Kyle y Sarah se enamoran durante el transcurso de la película, y entonces John Connor es concebido, lo cual crea una paradoja temporal realmente interesante en la película. 

TERMINATOR era una película con un planteamiento y un back-ground de ciencia-ficción, pero con un guión escrito y un tono de película de terror. Los dos personajes protagonistas se pasan la peli huyendo de un personaje imparable, el Terminator, un personaje contra el que nunca podrán luchar en igualdad de condiciones. En ese contexto de huida, el personaje de Kyle Reese explica a Sarah todo lo ocurrido en el futuro. Al colocar esas partes explicativas dentro del contexto de la acción frenética de una huida, las escenas eran muy cinematográficas y nunca "explicativas".

TERMINATOR  es un clásico, un film casi perfecto a nivel de guión. Redondo en casi todos los sentidos. Un film exitoso e importante. Para entender como se debe tratar una escena es una película perfecta.

Todas las escenas están tratadas desde el guión, con un tono acertado. Lleno de riqueza dramática y cinética.

TERMINATOR es una peli que podría estrenarse cada año, y yo iría a verla.